Johnny Hutch, o baterista que não quis ser um Beatle

Johnny 'Hutch' Hutchinson (nascido em 18 julho de 1940 em Malta), também conhecido como Johnny Hutch, era um baterista muito popular em Liverpool no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, ao mesmo tempo que os Beatles subiam na hierarquia das bandas de rock britânicas .

A banda de Hutch, os Big Three, eram rivais dos Beatles, e na sua opinião sobre eles não era a melhore.  Johnny, teria mesmo dito que os Beatles "não valiam uma cenoura.

Opiniões à parte, Hutch tocou com eles durante uma audição em 1960.

Bill Harry editor da revista  Mersey Beat, afirmou que o lugar de baterista, vago quando Pete Best foi demitido foi inicialmente oferecido por Epstein a Johnny. 

Sabendo que os  Beatles tinham assegurado um contrato de gravação, Hutchinson recusou o trabalho, dizendo: 

"Brian pediu-me para me juntar aos Beatles e eu recusei,dizendo, que não faria parte dos Beatles nem por um relógio de ouro. Para mim só existe um grupo, que é o Big Three. Os Beatles não conseguem fazer um som melhor do que nós, e Pete Best é um bom amigo meu, que eu nunca trairia. "

 

Johnny tocou com os Beatles, em alguns concertos, quando Pete Best não apareceu na noite em que foi demitido, e  até que a segunda escolha Ringo Starr, podesse juntar-se os Beatles, deixando Rory Storm and the Hurricanes.

Esta fotografia de Johnny tocando bateria com os Beatles pode ser encontrada pendurada na parede do bar Hanover em Liverpool.

All Those Years Ago...

Please Please Me é o primeiro álbum gravado em estúdio e lançado pelos Beatles, em 22 de março de 1963. O álbum contém 14 canções, oito escritas por Lennon/McCartney. 

Em 2003, a revista Rolling Stone listou o álbum no número 39 na lista de 500 melhores álbuns de todos os tempos.A Rolling Stone também colocou as canções "I Saw Her Standing There" (em #130) e "Please Please Me" (#184) na lista de 500 melhores canções de todos os tempos.

 

 Nos Estados Unidos, a maioria das canções de Please Please Me foram lançadas no álbum da Vee-Jay Records chamado Introducing... The Beatles em 1964, e depois no álbum da Capitol Records chamado The Early Beatles em 1965. 

Os Beatles já tinham gravado quatro canções anteriormente que fizeram parte de dois singles. O primeiro single com "Love Me Do"/"P.S. I Love You" gravado a 11 de Setembro", e o segundo com "Please Please Me"/"Ask Me Why" gravado a 26 de Novembro, ambos em 1962.

O álbum contém 14 canções, na sua época de lançamento em 1963, geralmente um álbum tinha 7 canções de cada lado. Foram necessárias mais dez canções para completar as quatro já gravadas e lançadas em single anteriormente pelos Beatles.

Assim no dia 11 de Fevereiro de 1963, os Beatles e o produtor George Martin, começaram os trabalhos no Abbey Road Studios.

As gravações do álbum soam como se fosse quase um trabalho ao vivo, já que tudo foi gravado no mesmo dia. Foram necessários apenas 585 minutos, ou seja, 9 horas e 45 minutos. Com apenas três sessões naquele dia, cada uma com aproximadamente 3 horas de duração, os Fab Four, produziram uma autêntica apresentação da banda no Cavern Clube da Mathew Street em Liverpool.

O dia de gravação terminou com o cover de Twist and Shout, que foi a última a ser gravada. A canção Hold Me Tight, também foi gravada durante a sessão mas só foi usada no álbum posterior, numa nova gravação no dia 12 de Setembro

O dia inteiro de gravação custou cerca de £400. George Martin disse:

"Não foi uma grande quantia para a Parlophone. Eu trabalhava com um orçamento anual de £55,000.

Please Please Me,foi gravado em dois canais, com a maior parte dos instrumentos num canal e os vocais noutro.

Wikipedia

Good Ol’ Freda - A história da melhor amiga dos Beatles

Imaginemos, uma espécie de Moneypenny da banda mais importante da pop. Em querendo, Freda Kelly podia estar milionária há umas boas décadas. Bastava-lhe deixar escapar aqui e ali uns quantos segredos a troco de uns cobres - ou publicar umas colecções de memórias que quando em vez - e estava feito. Nada disso. Freda é, para todos os efeitos, a melhor amiga dos Beatles. Assim sendo, amigo não trama amigo, é feio e não se faz. 

A secretária do grupo nunca falou sobre o que viu e ouviu, até agora, num documentário apresentado em primeira mão no festival South by Southwest (SxSW). Se já existiam razões para querermos estar em Austin, esta é só mais uma.

“Good Ol’ Freda” é o nome do filme e a própria esteve na cidade texana no dia da estreia. Disse na apresentação: “Quando o clube de fãs dos Beatles acabou em 1972, já a banda tinha terminado, não queria mais aquela vida, queria apenas tomar conta da minha casa e da minha família. E pensei que o assunto estava arrumado.” Longe disso. Diz-nos a história feita até aqui que haverá enredos com Beatles dentro durante muito tempo. Ainda que, na verdade, Freda Kelly tenha dado em protagonista de um documentário quase por acidente.

Ryan White, o realizador de “Good Ol’Freda” (autor também de “Pelada”, o filme de 2010 que acompanhava jogos de futebol nos locais e com os jogadores menos populares mas mais prováveis, de uma prisão na Bolívia às aldeias do Irão, com equipas femininas), conheceu Freda através do tio, Bill Kinsley, músico que fez parte dos Merseybeats, de Liverpool. Mas durante muito tempo, Kelly era apenas isso, uma amiga do tio. Depois de descoberto o quase-segredo, o realizador apressou-se a convencer a antiga secretária. Ou a aproveitar-se da mudança de ideias de Freda, que quase nos 70, resolveu registar a sua sorte para o neto.

O resultado de 40 horas de entrevistas está longe de ser a história dos Beatles. Explica Ryan White, citado pelo “Los Angeles Times”: 

“ Isso já toda a gente conhece. Esta é uma história pessoal, as experiências de Freda enquanto colaboradora dos Beatles. Nunca foi contado, ninguém conhece estas memórias porque a Freda nunca as contou.”

E fazendo contas, Freda deverá ter uma boa colecção de relatos.

Começou a trabalhar para os Beatles apenas com 17 anos. Na altura, a morada do clube de fãs era a da sua própria casa, até que o pai de Freda decidiu que tamanha quantidade de papel teria que ser encaminhada para outro local - no auge da beatlemania, o clube de fãs recebia entre duas a três mil cartas por dia. Esteve dez anos com o grupo e acompanhou os quatro magníficos do palco suado do Cavern Club até às visionárias investidas em estúdio. 

Kelly trabalhou nos escritórios do manager Brian Epstein. As suas tarefas poderiam variar entre a entrega de pagamentos semanais aos músicos e a recolha de mechas de cabelo das estrelas, para enviar pelo correio para as fãs mais merecedoras de tal honra.

A dada altura, em “Good Ol’ Freda”, Ringo Starr diz algo como “ela era parte da família”. 

E recordam-se momentos inesperados, como a súplica de Lennon, ajoelhado, pedindo à sua secretária que voltasse, depois de a ter despedido (Freda tinha estado a beber uns copos com outra banda, não se faz). Esperamos ansiosamente por conhecer todas as aventuras, é quase uma obrigação.

www.goodolfreda.com

 Por Tiago Pereira, publicado em 13 Mar 2013, no I

Old Sock, primeiro álbum de Eric Clapton em três anos e foi divulgado na íntegra pelo Speakeasy Blog. 

Para ouvir é só clicar aqui. 

Este é o 21º trabalho de estúdio de Clapton e conta com algumas participações de amigos. 

Paul McCartney toca baixo na música ¨All of Me¨, Steve Winwood toca órgão em ¨Still Got The Blues¨ e JJ Cale empresta os vocais em ¨Angel¨. 

Para divulgar o álbum, Clapton vai fazer vários espectáculos nos Estados Unidos. A tournê começa em Phoenix no dia 14 de Março, e termina em Abril com dois shows no Crossroads Guitar Festival, que terá lugar em Nova Iorque. 

Esta pode ser a úlima tournê de Clapton, que anunciou recentemente que deve parar de actuar ao vivo quando fizer 70 anos.

Tony Sheridan, o mentor dos Beatles...

Tony Sheridan, cantor e guitarrista que colaborou com os Beatles durante o começo da banda, em Hamburgo, na Alemanha, morreu neste sábado, 16 de Fevereiro, aos 72 anos, noticiou o The Telegraph.

Sheridan conheceu John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Pete Best em Hamburgo, no começo dos anos 60, quando o jovem grupo o ia vêr tocar todas as noites, depois da sua actuação num clube nocturno na mesma rua.

Sheridan acolheu a banda, dando-lhes conselhos sobre como se vestir (naquela época isso incluía blusões de couro e botas de cano alto) e apresentou-os a outros artistas do R&B norte-americano, tais como Little Richard, e Gene Vincent. 

Os Beatles eventualmente tocaram como banda de apoio de Sheridan, no Top Ten Club, e fizeram as suas primeiras gravações acompanhando-o, como os Beat Brothers.

O vinil tinha temas  como “My Bonnie” e “When The Saints Go Marching In”, e foi lançado fora da Alemanha, posteriormente, como Tony Sheridan & The Beatles. 

Sheridan, que é creditado como o primeiro músico britânico a tocar uma guitarra elétrica na televisão, fez tournês com Chubby Checker, Jerry Lee Lewis e Chuck Berry. Em 1964, lançou um disco solo chamado Just a Little Bit of Tony Sheridan, que incorporava influências do blues e do jazz.

Retornou a Hamburgo em 1978, como principal atração da reabertura do famoso, Star Club, em apresentação na qual foi acompanhado pela TCB Band, de Elvis Presley. 

O último disco solo de Sheridan, Vagabond, foi lançado em 2002. 

Please, Please Me...foi há 50 anos ?!?!?!

Só foram precisas,12 horas para gravar o álbum Please Please Me
 
Na segunda-feira, 11 fevereiro de 1963, o álbum de estréia dos Beatles, foi gravado em apenas um dia.  

Hoje, no 50 º aniversário dessa sessão de 12 horas no Abbey Road Studios, artistas de nomeada, estão a tentar o mesmo feito, no mesmo prazo, e no mesmo estúdio.

O aclamado guitarrista Graham Coxon, Glenn Tilbrook e Chris Difford dos Squeeze e, I Am Kloot, de Manchester, juntam-se á sensacional cantora soul Joss Stone, e ainda aos Stereophonics, Gabrielle Aplin e Mick Hucknall para tentarem repetir este feito dos Fab Four.

Os resultados serão transmitidos ao vivo, no fim de gravação, quando os estudios da Abbey Road se liga á Western House, durante todo o dia,através da Radio 2, esta segunda-feira 11 de Fevereiro de 2013.  

O evento será transmitido pela BBC Four, no fim de semana, com uma hora de duração especial.

Não percam.

50 anos ?!?!?! A sério ?!?!?!

Morreu, Reg Presley vocalista dos The Troggs

Reg Presley, vocalista da banda rock britânica ‘The Troggs’ morreu aos 71 anos, revelou na segunda-feira à noite, um amigo do músico. 

Os Trogs, são conhecidos por temas de sucesso como ‘Wild Thing’ e ‘Love is all around’. 

Reg Presley, tinha anunciado há cerca de um ano que padecia de cancro, razão pela qual iria abandonar a banda. A notícia da morte de Reg Presley, que pereceu ladeado por familiares e amigos na sua residência em Andover, no sudeste de Inglaterra, foi revelada pelo veterano jornalista especializado em assuntos de música, Keith Altham, amigo de Presley, refere a agência AFP. 

Karen, filha de Reg Presley, confirmou a morte do pai no portal electrónico WENN, salientando que os filhos e a mulher estiveram com o músico nos seus últimos minutos de vida. 

O cantor anunciou, em Janeiro de 2012, o abandono da banda depois de ter ficado doente num concerto na Alemanha. 

"Os exames mostram que tenho cancro do pulmão", escreveu Reg Presley, na altura, na página oficial da banda na Internet.

Dalí vendeu um fio de bigode, falso a Yoko Ono

Essa história, parece ter saído daquelas fábulas que as avózinhas contam aos netos, para evitar que eles caiam no tal conto do vigário. 

Poderia intitular-se: Yoko Ono, Salvador Dalí e o conto do bigode falso. 

Mas, neste caso, a história parece ser real, tal como a descreve a revista francesa VSD.

Os protagonistas, neste caso, são Yoko Ono, a eterna viúva de John Lennon e artista plástica, e o pintor surrealista Salvador Dalí. E envolve um fio de bigode falso.

 

Nada disto aconteceu num “reino muito, muito distante”. Quem contou a história foi a ex-aluna e ex-amante de Dalí e também cantora Amanda Lear. Segundo ela, o pintor vendeu um fio do seu famoso bigode (aquele com as pontas apontando para o alto) por 10 mil dólares. 

“A idiota pagou  10 mil US dólares. Dalí gostava de enganar as pessoas”, disse Lear à revista. 

Segundo ela, foi difícil ao pintor resistir à ideia de ganhar dinheiro fácil. E, numa artimanha que poderia ter sido aplicada pelo "trambiqueiro" Sawyer, da série Lost, Dali pediu para a amante ir ao jardim, recolher uma erva seca, e entregou a Yoko num embrulho elegante, com lacinho e tudo. 

Amanda conta que Dalí, achava que a viúva de John “era uma bruxa e temia que ela o enfeitiçasse”. 

E a inocente Yoko caiu direitinho no golpe. 

E a lição aprendida, talvez, seja: “nunca se deve confiar num pintor surrealista”. 

Recado anotado.

Love Me Do...é publico.

O primeiro single dos Beatles, "Love Me Do", entrou para o domínio público na Europa, graças à atual lei dos direitos autorais da União Europeia, de acordo com informações da Complete Music Update . 

Segundo a actual lei europeia, os direitos autorais de músicas expiram 50 anos depois da sua gravação. 

Como "Love Me Do" e o lado B "P.S. I Love You" foram lançadas em 1962, a proteção de ambos temas, acabou em 31 de Dezembro de 2012.

Embora exista um movimento para uma nova lei, que estende os direitos de protecção para 70 anos, essas mudanças não acontecerão antes de Novembro. 

Para se ter uma ideia, nos Estados Unidos as gravações são protegidas por 95 anos.

A nova lei inclui uma cláusula de "use ou perca", o que significa que as gravadoras que possuem os direitos de gravações lançadas antes de 1963 devem usá-las nos seus produtos, ou ainda o artista pode requerer o controle desses doreitos direitos.

A regra levou a Sony a lançar, recentemente, uma coleção de sobras de estúdio de Bob Dylan em edição limitada para manter os direitos sobre o material. 

A permissão de uso do disco de estreia de Dylan expirou ao mesmo tempo que "Love me Do", de Lennon e McCartney.

Uma companhia chamada Digital Remasterings tem beneficiado com a actual legislação. Lançaram "Love Me Do" numa compilação com antigas gravações dos Beatles. 

O selo de relançamentos de música erudita Pristine Classical também usou a música num single remasterizado, em protesto contra os problemas que a extensão de direitos autorais irá causar no trabalho que dá relançar antigas gravações sinfônicas.

Boas Festas...Feliz Natal !

Ravi Shankar (7 Abril 1920 - 11 Dezembro 2012)

Ravi Shankar faleceu, esta terça-feira, em San Diego, no sul da Califórnia, nos Estados Unidos, aos 92 anos, indicou a família num comunicado. 

O músico e compositor de cítara, pai da cantora Norah Jones, sofria desde o ano passado de problemas de foro respiratório e cardíaco, o que o levou a submeter-se, na quinta-feira, a uma intervenção cirúrgica para substituir uma válvula cardíaca. 

Ravi Shankar nasceu em Varanasi, no estado indiano de Utar Pradesh, em 7 de Abril de 1920.O seu pai, V. Lakshinarayana, era professor de violino, o que contribuiu para que Shankar começasse a tocar esse instrumento aos 5 anos. 

Uma década depois, deixou a Índia para viajar para Paris integrado na companhia de dança do seu irmão Uday. Em 1936, começou a estudar sitar, instrumento tradicional indiano, sob a direção de Ustad Allauddin Khan, e pouco depois começou a actuar na Europa e EUA. 

Alcançou a fama no Ocidente graças á sua amizade com o beatle George Harrison, de quem foi professor em 1966. 

No ano seguinte, realizou o seu primeiro dueto com o violinista Yehudi Menuhin, com o qual posteriormente colaborou em várias ocasiões. Em 1969, viajou para os EUA com a intenção de estudar a música do Ocidente e, ao mesmo tempo, popularizar a música hindu. Dois anos mais tarde, a pedido da London Symphony, compôs um concerto que estreou no Royal Festival Hall, na capital inglesa. 

Em 1976, começou a colaborar com o guitarrista John McLaughlin, com quem fundou o grupo Shakti, trabalhou na One Truth Band e gravou o álbum "Touch me there", sob a direção de Frank Zappa. A atividade musical de Ravi Shankar foi intensa, tendo destaque também como compositor. É autor de dois concertos para sitar e orquestra, além de músicas para balés e bandas sonoras para filmes. 

O músico indiano protagonizou o filme "Raga", centrado na sua vida, e em 1978 publicou o livro autobiográfico "My life, my music". 

O seu primeiro casamento, com a filha do músico Ustad Allauddin Khan, Annapurna, terminou em divórcio em 1982, após anos de separação nos quais manteve relações sentimentais com Kamala Chakravarty e Sue Jones, mãe de Norah Jones. 

Por fim, casou-se em 1989 com Sukanya Rajan, com quem viveu desde então entre San Diego e Nova Délhi.

Dave Brubeck 1920-2012

Amado por muitos e considerado sobreavaliado por outros, Dave Brubeck foi sem dúvida um dos mais famosos músicos de jazz de sempre.

Inserido no seu álbum Time Out, de 1951, o tema Take five atravessou gerações de ouvintes, tornando-se um dos grandes clássicos do género e o single de jazz mais vendido de todos os tempos. A melodia simples e saltitante do tema, composta e tocada pelo tom de veludo do saxofone de Paul Desmond, veio trazer uma nova alegria ao jazz de então, projectando Dave Brubeck e o seu grupo para o estrelato mundial. Ainda hoje o tema é facilmente reconhecido pelas mais diversas pessoas nos quatro cantos do mundo, tendo-se tornado um símbolo de um jazz alegre e descomplexado, profundamente "swingante".

Nascido em 1920, na Califórnia, Brubeck começou a aprender piano aos quatro anos. Alegando dificuldades de visão, evitava aprender a ler partituras, tendo desenvolvido a sua música de forma algo autodidacta. Ainda jovem, tocava nos bailes com uma banda local e planeava ser veterinário. No entanto, ao entrar na universidade, passou a tocar em clubes nocturnos para pagar os estudos e depressa percebeu que era isso que queria seguir como carreira.

Recrutado para a Segunda Guerra Mundial, Brubeck serviu sob o comando do célebre general Patton e tocou frequentemente para as tropas em eventos da Cruz Vermelha. Quando solicitado a formar uma banda entre os seus colegas militares, criou um grupo a que deu o nome The Wolfpack, um ensemble multi-racial, numa altura em que o Exército norte-americano era ainda fortemente marcado pela segregação. Forte opositor à discriminação, o músico viria mais tarde a actuar regularmente no Sul dos Estados Unidos,muitas vezes em clubes exclusivamente para negros.

Ao sair da tropa, já na faculdade, Brubeck quase foi expulso ao descobrirem que não sabia ler partituras, sendo, no entanto, defendido pelo seu enorme talento em contraponto e harmonia. Um talento realmente invulgar que fez das gravações de Take five, Blue rondo à la turk e muitos outros temas do seu repertório canções facilmente memorizáveis e de grande impacto melódico. 

Como pianista, aplicou ao jazz os ensinamentos clássicos do seu mais influente professor, o mestre francês Darius Milhaud, criando a variação mais notável do que se viria a chamar west coast jazz. Ao longo da sua carreira tocou com muitos dos grandes, como Duke Ellington,Ella Fitzgerald, Carmen McRae ou Gerry Mulligan, e o fenomenal sucesso do Dave Brubeck Quartet, o grupo que formou com Paul Desmond, Eugene Wright e Joe Morello, permitiu-lhe vender milhões de álbuns e tocar a sua música nos mais prestigiados palcos de todo o mundo.

Brubeck compôs mais de 250 temas e escreveu música para ballet, orquestras ou cerimónias religiosas. Da sua longa discografia, destacam-se Time Out, mas também Brubeck Time, Time Further Out, Jazz at Storyville e The Dave Brubeck Quartet at Carnegie Hall.

Considerado uma lenda viva pela Biblioteca do Congresso americano, Dave Brubeck foi o primeiro músico de jazz branco a aparecer na capa da revista Time, em 1954 (Louis Armstrong já o havia feito em 49) e um dos poucos a actuar para quatro Presidentes americanos.

Por: Rodrigo Amado, in Publico

Play it again, Sam...As time goes by.

"Play it again, Sam",  - não é preciso dizer mais nada...

Em 1942 foi iniciada "uma grande amizade" entre o público de qualquer geração e a história de amor mais famosa do cinema.

O roteiro de "Casablanca" foi escrito durante uma manifestação, a Segunda Guerra Mundial tinha deixado Hollywood sem galãs e Humphrey Bogart tinha entrado no elenco do filme á última hora, substituindo ninguém menos do que Ronald Reagan. 

Ao invés de Ingrid Bergman, os produtores tinham pensando em Hedy Lamarr, enquanto o filme nem sequer seria filmado em Marrocos, mas sim em Lisboa.

"Casablanca" nasceu mais como um filme de propaganda política do que como uma história de amor imortal, cujo exotismo seria reconstruído inteiramente nos estúdios. A estação ferroviária de Paris, por exemplo, foi "reciclada" de outro filme da Warner, "Now Voyager".

No princípio, o filme teria o mesmo título da obra de teatro na qual se baseava, "Everybody comes to Rick's", mas essa ideia acabou por ser descartada, na tentativa de repetir o mesmo sucesso de "Argélia", rodado três anos antes.

Assim, aos tropeções, um dos filmes com mais momentos inesquecíveis e rememorados do cinema era desenvolvido. O facto é que, com três Oscares conquistados, uma trama cheia de diálogos inesquecíveis, interpretações antológicas de Bogart e Ingrid Bergman (assim como Claude Rains e Peter Lorre em papéis secundários) e uma música de Max Steiner, "Casablanca" entraria para sempre para a eternidade. 

Michael Curtiz, diretor de "As aventuras de Robin Hood" e "A carga da brigada ligeira", foi o inesperado artífice desse milagre, já que o mesmo também não foi primeira opção, mas sim o mestre do melodrama William Wyler. No entanto, essa equipe de "suplentes" gerou tal sinergia, que impôs o seu "amor" até ofuscar a Marselhesa, que soava já nos créditos iniciais, e a mensagem de oposição aos nazis num projecto que começou a ser idealizado apenas um dia depois do ataque japonês a Pearl Harbor.

 Rick e Ilsa, os amantes que o tempo e a História desejarão separar continuamente, davam ao melodrama clássico de Hollywood um toque adicional de amargura, arrematado com esse final realista tão pouco visto na época. Um amor inoportuno, cuja potência já não poderá vencer as adversidades, mas a mera conveniência. Esse foi um duro golpe para a segunda chance e uma victória para a derrota.

Dado que Paul Henreid e Claude Rains só chegaram mais tarde aos sets de filmagem devido ao excesso de trabalho no filme anterior, a primeira cena filmada por Bogart e Ingrid foi o encontro no piano, mas, desde então, a química foi evidente.

Era um casal perfeito dentro da magia do cinema, mesmo tendo Bogart que se empoleirar em caixotes, para alcançar os cinco centímetros que a actriz sueca tinha . A canção que os remetia ao passado, "As time goes by", perpetuou-se nos ouvidos e nos corações, não só dos cinéfilos mais empedernidos, mas de uma forma geral, na memória colectiva da humanidade.

Casablanca, tornou-se num filme tão icónico, que tentaram copiá-la em várias ocasiões. 

Nos anos 40, por exemplo, o filme deveria ganhar uma sequência com Geraldine Fitzgerald no lugar de Ingrid, mas o projecto, então intitulado "Brazzaville", mas acabou por não ir avante. Woody Allen a homenageou em grande estilo em "Play it again, Sam". Steven Soderbergh quase a plagiou em "The Good German" e Fernando Trueba fez uma singela referência em "La Niña de Tus Ojos".

No entanto, nenhuma dessas versões foi capaz de repetir a magia do original, que chegou aos cinemas no dia 26 de Novembro de 1942 sem grandes expectativas, mas que se transformou num grande clássico mesmo não querendo ser uma grande história de amor. 

Neste caso, assim como na vida, o amor chega quando menos se espera.

GRRR... 50 Anos de Rolling Stones

Os Rolling Stones anunciaram hoje que será editada em Novembro uma coletânea com 50 êxitos, intitulada "GRRR!", para assinalar as bodas de ouro, 50 anos de carreira.

No site oficial na Internet, a banda explica que "GRRR!" estará disponível a partir do dia 12 de Novembro, em vários formatos, que vai do triplo CD com 50 canções, até uma edição de luxo com 80 temas, que contam a história da mais antiga e famosa banda rock n'roll em actividade.

O alinhamento inclui gravações feitas desde julho de 1962, quando surgiram oficialmente, até à actualidade, quando estiveram em estúdio em Paris, em Agosto passado.

m "GRRR!" estarão, por exemplo, "The last time", o primeiro single editado pela banda, composto por Mick Jagger e por Keith Richards, "(I can’t get no) satisfaction", "Jumping Jack Flash", "Honky Tonk Women", "Brown Sugar", "Start Me Up".

A eles juntam-se ainda "Gloom and Doom" e "One last shot", as gravações que fizeram no mês passado, as primeiras em que os quatro músicos se juntaram em estúdio desde a digressão do álbum "A Bigger Bang", de 2005.

A edição contará com trabalho visual do artista norte-americano Walton Ford, que colocou na capa da coletânea um gorila com a icónica língua de fora, imagem de marca dos Rolling Stones, e contará com tecnologia 3D de realidade aumentada.

A 12 de julho de 1962, num clube em Londres, Mick Jagger (voz), Keith Richards (guitarra), Brian Jones (guitarra), Mick Avory (bateria) e Dick Taylor (baixo) - a primeira formação dos Rolling Stones - tocaram cinco músicas, dando início a uma das mais duradouras bandas rock.

O grupo baptizou-se com o nome de uma música de Muddy Waters ("Rollin'Stone"), queriam ser o oposto dos Beatles, e desejavam ser "a melhor banda de rythm & blues de Londres, e conseguir concertos regulares", como explicou o guitarrista Keith Richards na biografia oficial.

À revista Rolling Stone, Mick Jagger admitiu o espanto pela longevidade dos Rolling Stones.

"É um grupo muito diferente daquele que tocou há 50 anos. Quando penso sobre isso, uma parte de mim diz,  'Estamos a fazer batota', porque não é a mesma banda; tem o mesmo nome, mas só o Keith e eu é que somos os mesmos. (...) É um feito espectacular. É fantástico e estou muito orgulhoso disso", disse Mick, hoje com 68 anos.

A última digressão do grupo, "A bigger band", que passou por Portugal, incluiu 147 concertos em 118 cidades.

Não foi ainda adiantada qualquer informação sobre uma nova digressão da banda.

Em Julho passado editaram a autobiografia em imagens "The Rolling Stones: 50", com comentários dos músicos.

Fonte: Agência Lusa

Morreu Scott McKenzie - Be Sure to Wear Flowers in Your Hair

 Scott McKenzie, o cantor de San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), que se tornou um sucesso em 1967 durante o «verão do amor» na cidade, morreu aos 73 anos, foi hoje divulgado.

Uma nota no ‘site’ de McKenzie indica que o cantor morreu no sábado em Los Angeles. O cantor sofria do síndroma de Guillain-Barre, uma doença que afecta o sistema nervoso, e tinha tido vários internamentos hospitalares desde 2010.

San Francisco foi escrito por John Phillips, o líder do grupo dos anos 1960 The Mamas and the Papas, mas foi McKenzie que a cantou e a música tornou-se um hino do movimento de contracultura desta década.

Fonte: Lusa/Sol

Caetano Veloso, na flôr da idade, aos 70.

A plateia parece estar com o cio. Lotação esgotada. São três mil pessoas em pé, mais ou menos uniformemente divididas entre homens e mulheres. A maior parte parece ainda não ter chegado aos 25 anos, mas há também senhores com mais de 60. E adolescentes de 15, 16. É quinta-feira, 5 de Julho, estou no Ginásio do Sesc de Santos (SP). Cada vez que o artista lá no palco, passeando pelos versos de suas novas e antigas canções, atravessa uma palavra carregada de alguma carga sexual, o público reage com gritinhos lascivos. Todos ao mesmo tempo, em uníssono, como se também tivessem ensaiado.

Estamos em plena turnê de Cê, o álbum “roqueiro” de Caetano Veloso. Álbum “roqueiro”? Se esse rótulo não é abrangente em medida suficiente para definir a sonoridade de Cê, muito ele pode dizer a respeito do conteúdo poético do disco (e desse show que dele se originou), tomado principalmente por sexo e ódio (ou seu par perfeito, o amor). Pode também explicar muito sobre esse reflorescimento sexual à volta de Caetano – o artista, o homem – que, neste mês de agosto, completou 65 anos. 

“O Caetano está em uma fase meio Beatles. Tem rolado um assédio, uma loucurinha”, comenta o guitarrista Pedro Sá, o mais velho dos três jovens músicos que dividem o palco com o cantor. “Nas outras turnês que fiz com ele sempre teve fã, gente que assediava, que chegava, que queria falar. Mas agora, além disso, tem um frisson, um faniquitozinho. Mulher que agarra, que pega, que quer tirar a roupa, que quer comer. Que perde a linha mesmo”, conta.

Não é à toa. Cê é o trabalho no qual Caetano mais se expõe sexualmente em toda sua carreira. Se não isso, desde pelo menos o começo da década de 1980. “Desde o [disco] que tem ‘Vera Gata’, eu acho”, tenta pontuar o próprio artista. Composta para Vera Zimmerman, a canção a que ele se refere está no álbum Outras Palavras (1981) e descreve a história, imagina-se que real, de sua “rápida transação” (como o próprio diz na letra) com a atriz. Sim, estamos falando de sexo. Em Cê, com Caetano na casa dos 60, a transação não precisa ser tão rápida. Em alguns momentos chega a ser delicada, minuciosa, muito mais poética – mas nem por isso menos erótica. Irmã caçula de “Vera Gata”, “Um Sonho” foi composta para Luana Piovani e descreve a história, não necessariamente real (principalmente se levarmos em conta o significado onírico de seu título), de seu “malho” (como o próprio diz na letra) com a atriz. 

Enquanto mostra a canção no palco, Caetano desenha com o gestual do corpo uma relação sexual inteira. “Sexo é um assunto central, um absoluto – não um tema entre outros. Para mim, para a minha vida, essa é a importância que o sexo sempre teve. Não tem nada a ver com ser atleta sexual, nem obcecado por sexo. Pelo contrário: reconhecendo que é um absoluto, o sexo basta que se dê. É muito simples. Porque é o que é. Não precisa muita coisa. Tendo aquele negócio, pronto. Rolando, chegando lá, já é importante”, avalia.

O artista diz não saber detectar diferenças entre o ato de criação de um disco “sexual” quando ainda se está na casa dos 30 anos e fazê-lo agora, aos mais de 60. E explica suas razões para recorrer ao tema com tanta sede neste momento.

“Queria criar uma banda de rock que tivesse um som próprio, que desse um toque relevante para o panorama de criação de rock no Brasil do ponto de vista sonoro e estilístico. Timbrístico, também. E isso se deu. Nesse ponto, acho que fomos 100% bem-sucedidos”, afirma. “E precisava fazer um repertório que se adequasse a isso. O rock tem, desde o princípio, esse componente sexual quase como tema central – mesmo quando não é explicitado. Então, tendi a explicitá-lo em algumas letras. Gostava de estar fazendo canções em que esse tema aparecesse de uma maneira direta e intensa, com poucas informações, poucas imagens, poucas palavras. Gostava de fazer assim para este disco. Acho que a razão é mais essa”, reconhece.

Uma peça importante do mosaico sexual de Cê acabou não entrando no repertório do disco porque não estava terminada na época das gravações, mas entrou no roteiro do show. “Amor Mais que Discreto” foi composta a partir de “Ilusão à Toa”, clássico de Johnny Alf (que Caetano, aliás, também canta no show como introdução à sua), e aprofunda o contexto homoerótico esboçado em “Odeio”. 

“É linda! Essa daí é mesmo gay. Porque ela fala de ‘o amante do amante’. Eu adorei chegar nessa expressão porque não fica duvidoso, está explícito: é um cara que é, ou pode ser, ou desejaria ser, amante de outro cara. Eu tinha falado com os meninos, até brincando, que o Cê tem muita mulher”, ri.

As duas faixas, “Odeio” e “Amor Mais que Discreto”, abordam o amor (ou o sexo, simplesmente – ou a iminência de uma dessas duas coisas, ou das duas) entre dois homens: um velho e um menino. 

“Sou velho, então já dá para pensar nessa perspectiva”, diz o compositor. “Aquele modelo grego do homem com o adolescente é um arquétipo na cabeça da gente. E eu, no texto, gosto muito desse momento que diz ‘eu sou um velho, mas somos dois meninos’, que é diferente da nossa moral convencional cristã burguesa. E é diferente também do modelo grego, em que [o sexo entre um homem adulto e um adolescente] era quase que um tipo especial de heterossexualidade. [Em ‘Amor Mais que Discreto’] são dois caras brincando, dois caras curtindo o sexo deles, um com o outro.” 

Caetano rejeita inteiramente a leitura comum de que a temática gay, uma constante em sua obra desde o início – seja na poética, no discurso ou no comportamento – tenha entrado em cena simplesmente para provocar. 

“É um tema meu. Não entro em ambiente nenhum sem meus temas principais. Não iria deixar isso de fora”, afirma. “Independentemente de ser ou não relevante para todas as pessoas, a mim esse tema sempre interessou.” 

Texto publicado originalmente na edição 11 da Rolling Stone Brasil, agosto/2007.
Por:  Marcus Preto

Ray Ban 75 Anos. Never Hide

Marilyn Monroe, e James Dean usaram-nos. Audrey Hepburn fez sucesso com um par em Boneca de Luxo (1961). Robert De Niro não seria o mesmo Travis Bickle sem os seus Caravan, em Taxi Driver (1976). Já para não falar em Peter Fonda no filme Easy Rider (1969) ou Clint Eastwood em Dirty Harry (1971). Na música, Iggy Pop também aderiu à moda, tal como Johnny Marr, guitarrista da banda indie rock, The Smiths. Mas não foram os únicos.

Quando o general Douglas MacArthur desembarcou nas Filipinas na II Guerra Mundial, os seus olhos estavam igualmente protegidos por uns Aviator. Mais tarde. os Olympian I e II foram escolhidos por Peter Fonda para Easy Rider. Os Balorama tornaram-se famosos por Clint Eastwood em Dirty Harry. Enquanto isso, Bob Dylan raramente foi visto sem os seus Wayfarer, modelo que foi também protagonista nos filmes O Dueto da Corda (1980) e Negócio Arriscado (1983).

Mais tarde, Ases Indomáveis (1986) trouxe os Aviator de volta às origens, no rosto dos pilotos dos caças. É exactamente esse modelo que Michael Jackson usa para receber o Grammy em 1984, apesar de ter escolhido os Wayfarer para a digressão Bad, que se estendeu de 1987 a 1989. Nos anos 90, a marca continuou a fazer furor no cinema.

O modelo Clubmaster foi o companheiro de Denzel Washington em Malcolm X (1992) e de Tim Roth em Cães Danados (1992). Em 1997, Will Smith e Tommy Lee Jones envergaram o modelo Predator em Homens de Negro. E finalmente, em 1998, Johnny Depp surgiu acompanhado por um par de Shooter em Medo e Delírio em Las Vegas. Entretanto, passaram 75 anos e para assinalar a data, a Ray-Ban lançou uma campanha mundial que já lhe garantiu dois prémios internacionais.

 Segundo a lenda, a marca nasceu graças ao Tenente John MacCready. Em 1934 ele fez uma viagem de balão de ar quente pelos EUA. No regresso rumou a Nova Iorque e foi bater à porta da Bausch & Lomb queixando-se que durante o seu périplo aéreo tinha ficado com danos na retina devido aos fortes raios solares. Desafiava por isso o fabricante a criar uns óculos que protegessem os olhos das prepotências do sol. Aparentemente, é desse episódio que surge o nome da marca: ray de raio, ‘ban’ de bannish (eliminar). Ficção ou realidade, a verdade é que foram, de facto, os pilotos da Força Aérea Americana a estrearem os primeiros modelos.

A marca surge assim na senda da vanguarda tecnológica primeiro com as lentes amarelas e verdes Kalichrome que filtravam a luz azul (1938), mais tarde com as lentes espelhadas gradientes, e depois com as lentes cinza que garantiam uma visão mais realista das cores (1953), já para não falar dos modelos para crianças que começaram a ser desenvolvidos logo na década de 60. Em 1974, foram ainda lançadas as lentes fotocromáticas Ambermatic capazes de mudar de cor dependendo das condições de luz, o que as tornava particularmente indicadas para os desportos de Inverno.

A partir do ano 2000, a marca começa também a inovar em termos de comunicação, sendo a campanha Never Hide, que coloca os clientes no centro das atenções, a primeira aposta. Este ano foi a vez de Legends, uma iniciativa que escolheu uma personagem para representar cada década da marca: os pilotos dos Blue Devils (anos 30); um escritor americano (anos 40); um músico que trabalhou com Elvis Presley (anos 50); uma socialite inglesa (anos 60); dois jovens que se apaixonam enquanto assistem a uma manifestação (anos 70); três raparigas da noite (anos 80); e um rapper (anos 90).

A campanha foi de tal forma um sucesso que ganhou dois Leões de Ouro, no 59.º Cannes Lions – Festival Internacional de Criatividade 2012, na categoria Press Lions, na secção Clothing, Footwear and Accessories and Photography. Um presente para a marca que vai ainda assinalar os seus 75 anos com a publicação de um livro em edição limitada, que reunirá imagens de personalidades do mundo da música, do cinema, da moda e da cultura popular comentadas por gente bem conhecida do mundo das artes. Tudo para assinalar este aniversário em grande estilo. 

Por Patrícia Cintra, no Sol