Three Dog Night

De 1969-1974, ninguém tinha mais discos no Top 10, ou vendidos mais bilhetes para os seus concertos do que os Three Dog Night. Durante este período, foram sem dúvida a banda mais popular nos Estados Unidos: 21 vezes consecutivas no Top 40, 18 entradas directas no Top 20, 11 Top 10s, 7 números 1, 7 milhões de vendas de singles e 12 LPs de ouro . Em finais de 1975, tinham vendido quase 50 milhões de discos. A banda, tinha a particularidade única de ter três vocalistas distintos, Danny Hutton, Chuck Negron e Cory Wells.

Danny Hutton, tinha iniciado a sua carreira, em Setembro de 1965 no estúdio da Disney, como artista solo, tendo alcançado a posição 73ª, no Hot 100 da Billboard com uma canção chamada "Roses and Rainbows".

Chuck Negron começou a cantar a sério, no coro da faculdade e, conseguiu alguns hits menores para pequenos selos, sob o nome de Chuck Rondell. Juntou-se a uma banda de rock na universidade, tendo chegado assinado um contrato com a Columbia Records, para quem gravou uma série de singles, todos flops comerciais, como Chuck Oberon.

Cory Wells nasceu em Buffalo, Nova York e começou a cantar em bandas, ainda adolescente. Quando entrou para a Força Aérea, juntou-se a uma banda chamada "The Satellites". Quando foi desmobilizado do serviço militar, partiu para Los Angeles, para tentar a sorte no mundo da música. Durante uma actuação no "Whisky A Go-Go", Sonny e Cher ouviram-no cantar, e convidaram-no a que ele participasse no seu tour. Foi nessa tournê que ele conheceu Danny Hutton.

Danny conhecia Chuck desde a sua passagem pela gravadora Columbia, e quando Chuck retornou de uma tournê, em Agosto de 1967, Danny convidou-o a juntar-se a ele e a Cory Wells, que estava na banda residente do "Whisky A Go-Go" chamada "The Enemies". Os três cantaram "a cappella" durante horas, e no final da noite, Danny e Cory convidaram Chuck para participar de um novo grupo que estavam a formar. Sem nada no horizonte, Chuck aceitou o convite.

Danny tinha feito amizade com Brian Wilson dos Beach Boys, que queria entrar na produção de outros artistas, e este rapidamente levou os três cantores para o seu estúdio. Brian sugeriu que o novo trio se chamamsse Redwood, tendo -lhes oferecido um contrato na gravadora dos Beach Boys, a Brothers Records,comprometendo-se a escrever algum material para o primeiro álbum deles. O negócio abortou, em virtude da oposição dos restantes Beach Boys, que queriam a exclusividade das canções escritas por Brian, e só permitiam a edição de um single com temas do mano Brian. Wells, Hutton e Negron recusaram a proposta. Perder os três vocalistas, foi um erro que custou à empresa Brothers Records, milhões de dólares em royalties ao longo dos anos seguintes.

Por conta própria novamente, o trio começou a montar a sua própria banda, recrutando um por um, os elementos que seriam:  Jimmy Greenspoon nos teclados, Joe Schermie no baixo , Floyd Sneed na bateria e Michael Alsup na guitarra. Tocando em pequenos clubes da Califórnia, o conjunto ainda sem nome, ia rodando dando corpo e forma ao seu estilo único na altura. Uma noite, a namorada de Danny, June Fairchild, veio com uma sugestão. Ela tinha lido um artigo numa revista sobre os aborígenes australianos, que nas noites frias, dormiam ao lado dos seus cães para assim manterem o calor do corpo. Essas noites geladas do deserto Australiano, eram conhecidas como "three dog night", como eles eram três cantores, porque não chamarem-se Three Dog Night ? A ideia foi logo aceite unanimemente...até porque iam subir ao palco, e tinham que ser anunciados com um nome credível...o resto é história.

Actuando  todas as noites, nos clubes locais, a banda logo começou a chamar a atenção onde quer que tocassem, tendo logo ficado sob a orientação de Bill Utley, que empresariava os Turtles e os Steppenwolf. Uma noite, Utley alugou o clube Troubadour, em West Hollywood e convidou a mídia e os executivos das gravadoras locais. O show foi tão bom, que Jay Lasker, presidente da Dunhill Records ofereceu-lhes um contrato no local.

O seu primeiro álbum, "One" foi produzido por Gabriel Mekler, produtor dos Steppenwolf. Foi gravado "ao vivo", sem mais misturas, ou qualquer outro trabalho de estúdio. O primeiro single escolhido para o lançamento foi uma canção chamada "Nobody", que, ao tornar-se um sucesso regional, não poderia nunca chegar ao Top 100 da Billboard. O seguinte a sair foi o tema de Otis Redding "Try A Little Tenderness", que chegou á 29ª posição nas tabelas de vendas.

Enquanto a banda se preparava para gravar o seu segundo LP, Chuck Negron, pressionou Dunhill para lançar a música "One",que era a faixa título do primeiro álbum, por  estar convencido de que o tema poderia ser um disco de sucesso, se fosse lançado como single. Acabou por ser não só uma escolha sábia, como traria à banda o seu primeiro de muitos discos de ouro, chegando ao 1º lugar em Abril de 1969, apenas três semanas depois do seu lançamento.

O grupo não tinha intenções de gravar apenas as suas próprias músicas. Gravaram o melhor material dos melhores compositores novos e acabou com catorze álbuns de ouro, nove singles de ouro e vendeu mais de 40 milhões de unidades. Os Three Dog Night excursionaram extensivamente durante os anos setenta, quebrando recordes de público em locais que vão desde salas de concerto a estádios de futebol.

Entre 1969 e 1974, os "Three Dog Night" gravaram 18 "top 40" hits, assim distribuídos:

Try A Little Tenderness -           #29 Janeiro 1969
One -                                          # 5 Abril 1969
Easy To Be Hard -                     #4  Julho 1969
Eli's Coming -                            #10 Outubro 1969
Celebrate -                                 #15 Fevereiro 1970
Mama Told Me Not To Come - #1  Maio 1970
Out In The Country -                 #15 Agosto 1970
One Man Band -                        #19 Novembro 1970
Joy To The World -                    #1  Fevereiro 1971
Liar -                                          #7  Junho 1971
An Old Fashioned Love Song - #4  Outubro 1971
Never Been To Spain -               #5  Dezembro 1971
The Family Of Man -                 #12 Março 1971
Black and White -                      #1  Julho 1972
Pieces of April -                         #19 Outubro 1972
Shambala -                                 #3  Maio de 1973
Let Me Serenade You -              #17 Outubro 1973
The Show Must Go On -            #4  Fevereiro 1974
Sure As I'm Sittin' Here -           #16 Junho 1974
Play Something Sweet -             #33 Setembro 1974
Till The World Ends -                #32 Junho 1975

Em 1975, veio o cansaço e a desilusão geral. Saturados com tantos espectáculos, e as constantes digressões,alguns elementos da banda em especial Chuck Negron, afundaram-se nas drogas, o que veio originar constantes discussões, e cancelamentos de espectáculos. Resolveram então, de comum acordo, realizar um ultimo show, que seria de despedida. Dos 7 músicos originais, apenas Negron, Wells e Greenspoon, se apresentaram para esse evento.

Chuck Negron, viveu por muitos anos na dependência de drogas. No seu livro "Nightmare Three Dog", Negron descreve como gastou toda a sua fortuna em heroína e passou de uma estrela do rock rico e popular, a um junkie, só e doente.

Seis anos depois, em 1981, os membros da banda, sentiram a necessidade de voltar á musica, aos ensaios e á estrada. Após alguns telefonemas, reuniram-se todos, sem o baixista original, Joe Shermie, que tinha declinado o convite para a a reunião. Para sua surpresa,  descobriram que todos compartilhavam o mesmo sentimento, um ressurgimento do interesse pela música e um crescente desejo de experimentar tudo de novo. Danny Hutton disse na altura: 

"Nós tivemos um ensaio, um teste e redescobrimos a velha magia." Os Three Dog Night renasceram com 6 dos 7 membros originais. Apenas o baixista Joe Schermie estava ausente.

A magia no entanto, não conseguiu superar os problemas constantes causados pelo abuso de drogas. Um por um, os membros da banda foram snedo demitidos e substituídos. Em 10 de Dezembro de 1985, chegou a vez do cantor Chuck Negron, ser expulso do grupo, dadas as suas constantes ausências, quer em espectáculos, quer em ensaios devido ao seu vício em drogas. Só em em 1991,é que Negron se livrou do vicio e do consumo. Aproximou-se de Cory Wells, em 1993, pedindo a sua readmissão na banda, mas apesar de Danny Hutton estar ansioso por tê-lo de volta, Wells, não cedeu, e não premitiu a sua reentrada.

Em Abril de 1997, foi feita uma oferta a Negron para reintegrar a banda, mas com uma menor participação, e um menor cachet, que os outros dois cantores. A oferta foi recusada. O que poderia ter sido um grande retorno de uma das bandas de rock mais popular do mundo, acabou por não se realizar, e Wells com Hutton a dividirem os vocais, continuaram a turnê, sem Negron. 

Os processos usuais sobre o uso da sigla "Three Dog Night", nome igualmente utilizado por Chuck Negron nas suas apresentações ao vivo e a solo, correram nos tribunais, para que se decidisse, quem é que o poderia utilizar, legalmente. 1999 viu o lançamento da biografia de Chuck Negron "Nightmare Three Dog", e o seu segundo álbum, "Back Long Road", contrapartida musical do livro.

Até ao ano 2000, a banda continuou a actuar por todo o mundo, com os membros fundadores Cory Wells e Danny Hutton nos vocais, bem como o teclista Jimmy Greenspoon e Michael Allsup na guitarra. O baixista Joe Schermie, Jr., que tocou com o grupo de 1968-1973, morreu de um ataque cardíaco numa terça-feira 26 Março, 2002. Tinha acabado de fazer 55 no mês anterior.

Em maio de 2002, "Three Dog Night With The London Symphony Orchestra" foi lançado. O álbum foi gravado em Los Angeles e em Londres, no Abbey Road Studios e inclui duas novas canções "Overground" e "Sault Ste. Marie". Em Outubro de 2004, a banda lançou "The 35th Anniversary Hits Collection Featuring The London Symphony Orchestra". O álbum inclui versões ao vivo de "Eli's Coming", "Brickyard Blues", "Try a Little Tenderness" and "Family of Man".

Chuck Negron continuou a sua carreira a solo e excursionou com o ex-baterista dos Three Dog Night, Floyd Sneed. Chuck também se manteve activo no Cri-Help, Musicians Assistance Program (MAP), Hazelden Recovery Center, Music-Cares and Musicians.com, organizações que visam manter as drogas fora da indústria da música.

Em 2007, os Three Dog Night tiveram uma agenda cheia de espectáculos, enquanto Chuck Negron continuava a actuar a solo, dividindo o palco com os Blood, Sweat and Tears.

Em 24 de Outubro de 2009, os Three Dog Night lançaram duas novas canções - "Heart of Blues" / "Prayer of the Children". As músicas estão disponíveis exclusivamente on-line no iTunes, ThreeDogNight.com, Facebook e na loja do MySpace .

Embora tendo gravado um EP de cinco novas canções em 1983 e duas novas canções terem sido incluidas no álbum "Three Dog Night's 35th Anniversary Hits Collection Featuring The London Symphony Orchestra" os Three Dog Night não gravam um álbum completo, desde "American Pastime" de 1976.

A primeira faixa inédita dos Doors desde 1971 verá a luz do dia na próxima segunda-feira dia 9 de Janeiro.

 

She Smells So Nice foi gravada durante as sessões do álbum L.A. Woman, e será lançada numa reedição comemorativa do clássico.

A canção foi descoberta pelo produtor Bruce Botnik durante a pesquisa de material para o relançamento, e está a ser divulgada na página oficial da banda no Facebook. 

A reedição sai dia 23 de Janeiro. 

Além da inédita, a nova versão de L.A. Woman vai reunir o álbum remasterizado, versões alternativas de L.A. Woman, Love Her Madly e Riders On The Storm, e o DVD Mr. Mojo Risin’: The Story of L.A. Woman, documentário que resgata os bastidores da gravação do disco.

L.A Woman foi o sexto disco de estúdio do grupo, lançado pouco mais de dois meses antes da morte de Jim Morrison, vocalista do quarteto.

O álbum é o segundo mais vendido da curta carreira dos californianos, atrás somente de The Doors, de 1967.

Pedro Osório

É a única certeza que temos na vida...é que um dia, morremos. Mas nunca a encaramos de frente, nunca a aceitamos de  ânimo leve, nunca nos entregamos a ela, sem luta. 

Foi assim com o Pedro. Travava essa luta há sete anos...ontem perdeu. Perdeu ele e perdemos nós. Perdemos um Amigo, um dos músicos mais esclarecido, mais criativo e mais divertido. É assim a vida.Até sempre Pedro.

Recorrendo á Wikipédia, deixo aqui uma sinopse do que foi a vida do Maestro Pedro Osório.

Pedro Vaz Osório nasceu na cidade do Porto, onde estudou Música e Engenharia Mecânica. Aí formou  o “Conjunto de Pedro Osório” que tocava em bailes quase todos os fins-de-semana em final dos anos 50, princípio dos 60.

Em 1966 lançou o último EP do Conjunto de Pedro Osório e rumou a Lisboa para se juntar à segunda formação do Quinteto Académico, com a seguinte formação : Pedro Osório no piano, Jean Sarbib no baixo, Carlos Carvalho na guitarra, Zé Manel no sax-barítono e Adrien Ransy na bateria. Conheceu Luís Villas-Boas em 1966 após o regresso de Angola, onde cumpriu "dois anos, três meses e vinte e cinco dias" de comissão. Tentava retomar o curso de Engenharia. No último ano do curso (1967) decide-se pela carreira de músico profissional.

Depois dos conjuntos pop-rock (Conjunto Pedro Osório e Quinteto Académico) passa a dedicar-se à orquestração e direcção de orquestra.

Em 1968 forma o Trio Barroco com Jean Sarbib e Luís Villas-Boas.

Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1968 como autor de "Verão" de Carlos Mendes.

Juntamente com Carlos Alberto Moniz funda em 1974 o Grupo Outubro e gravam dois discos. É editado um disco do projecto SARL (Pedro Osório, Samuel e Carlos Alberto Moniz).

Participação do Grupo In-Clave, com Fernando Tordo e Tonicha, arranjos e direcção de Pedro Osório. No lado A “Portugal Ressuscitado”, poema de José Carlos Ary dos Santos para música de Pedro Osório. Uma produção da Sassetti - 1974 O estribilho de “Portugal Ressuscitado”: “Agora o povo unido Nunca mais será vencido Nunca mais será vencido”

É ao lado do maestro Pedro Osório no programa «No Tempo em que Você Nasceu» que Herman José inicia a sua carreira artística, (viola-baixo). Pedro Osório é também o responsável pela sua entrada no teatro de revista.

Pedro Osório representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1975 (Duarte Mendes) como chefe de orquestra.

O Pedro Osório S.A.R.L. fica em 3º lugar no Festival RTP de 1979 com "Uma Canção Comercial".

 

Com "Self-Made-Man" dos S.A.R.L. regressa ao Festival da Canção, em 1980. Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1982 como chefe de orquestra.

Autor de música para cinema e teatro ganhou em 1982 o prémio da crítica com a música que compôs para a peça "BAAL" de Bertholt Brecht. Em 1982 "Quero Ser Feliz Agora" dos S.A.R.L fica em 4ºlugar.

1989 é o ano do projecto "Só Nós Três", com os cantores Paulo de Carvalho, Fernando Tordo e Carlos Mendes. "Vim Para O Fado E Fiquei" é outro dos seus projectos.

Em 1993 junta Lena d'Água, "Rita Guerra e Helena Vieira para o grande espectáculo "As Canções Do Século", que foi gravado ao vivo no Casino do Estoril. Pedro Osório foi o criador dos arranjos e dirigiu a orquestra. A digressão desse espectáculo durou vários anos.

"Quatro Caminhos" é outro dos projectos de Pedro Osório, com Paulo de Carvalho, Rita Guerra, Maria João e Carlos do Carmo, e foi apresentado em 1996.

Em 1994 recebeu o grau de Comendador da Ordem do Infante D. Henrique.

Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1996 como autor da canção "O meu coração não tem cor" interpretada por Lúcia Moniz, que conseguiu a melhor classificação de sempre da representação portuguesa naquele festival.

Escreve obras de música sinfónica tendo algumas sido executadas em público. Foi director musical e autor musical de shows do Casino do Estoril como "Novas Descobertas" e "POPera".

Em 1998, concebeu o espectáculo intitulado "Da Gama", tendo como subtítulo "Concerto para 6 Músicos, 2 Cantores e 1 Computador", em que participaram os cantores Paulo de Carvalho e Rita Guerra.

Em 1999 foi o responsável por outro espectáculo musical que consistiu na interpretação pop de várias árias de óperas conhecidas. Nele participaram os cantores Helena Vieira, Beto e Rita Guerra.

Em 2011 publicou o disco Cantos da Babilónia, a partir de músicas étnicas de todo o mundo.

Morreu a 5 de Janeiro de 2012 em Lisboa, no Hospital de São Francisco Xavier.

Nina Simone, a biografia da diva rebelde.

Eunice Waymon estava destinada a transformar-se na primeira concertista negra de piano dos Estados Unidos, mas foi rejeitada no conservatório. Daquela decepção nasceu Nina Simone, uma das grandes divas do jazz, retratada com paixão por David Brun-Lambert na biografia da diva do Jazz.

O livro conta a turbulenta existência da intérprete de "My baby just cares for me", desde o início como menina prodígio numa pequena cidade da Carolina do Norte, até á sua morte no sul da França em 2003.

"Morrerei aos 70 anos, porque depois só há dor", tinha dito uma mulher que conheceu os extremos da glória e da miséria, da felicidade e da dor, que esteve submetida aos vaivéns da fama e marcada por uma personalidade cheia de arestas que o seu biógrafo não escondeu.

Dura, combativa e caprichosa, Simone sempre suspeitou que a côr de sua pele tenha fechado as portas do conservatório musical da Filadélfia, cidade para onde tinha viajado desde o sul, graças ao dinheiro arrecadado pela sua comunidade, e na qual a sua mãe ocupava um lugar de destaque como reverenda Baptista.

Depois do fracasso, sobreviveu em Nova York com trabalhos precários, até que decidiu tentar vida nova em Atlantic City.

Conta Brun-Lambert que "num bar húmido e com o chão coberto de serragem para secar o álcool derramado" foi onde Eunice se transformou, uma noite em Nina Simone.

Nina por causa de um apelido pelo qual era chamada por um namorado latino, "Niña", e Simone como homenagem a Simone Signoret, a legendária actriz francesa.

A jovem era pianista, mas o proprietário do bar obrigou-a a cantar para manter o emprego. A filha da reverenda interpretava todas as noites um repertório que a sua mãe sem duvida, teria condenado.

Acompanhando-se ao piano foi modulando uma das vozes mais pessoais do século XX, com a qual nos anos 60 e 70 imortalizou temas como "Aint got no - I got life" ou "I wish I know how it would feel to be free", e gravou clássicos como "Here comes the sun", "Just like a woman" e "Suzanne".

Nina Simone, pôs a sua voz e as suas composições ao serviço da igualdade dos negros, como quando gravou em 1963 "Mississipi goddam",  para denunciar a violência racista após saber que um jovem ciclista negro tinha morrido após ter sido espancado por um grupo de brancos.

Era capaz de se comprometer com a justiça social até pôr em perigo a sua carreira e a sua própria vida, mas ao mesmo tempo, era tão avarenta que pagava aos seus músicos um salário miserável.

Tudo isto, e muito mais, é contado na sua biografia, que reconstrói a busca vital de uma artista que ansiava uma serenidade que nunca obteve e investiga as chaves da complicada personalidade de uma intérprete que colecionou decepções amorosas e lutou com o fisco de seu país e as empresas fonográficas de meio mundo.

Nina Simone, conheceu a fama, mas também o esquecimento, que acabou no final dos anos 80 graças a um anúncio da Chanel Nº 5 que incluía sua versão de "My baby just cares for me".

Nina Simone considerava o tema, uma das canções com a menor importância da sua carreira, mas o tema foi colocado nos primeiros postos das listas europeias, o que permitiu á sua intérprete retornar aos palcos na recta final de sua carreira.

A "diva rebelde", desapareceu deste mundo aos 70 anos, ao morrer enquanto dormia em Carry-le-Rouet, próximo  de Marselha, França.

Apocalypse Now - Obrigatório vêr, ou revêr.

Apocalypse Now transpira a mania de grandeza em tudo, com uma equipe de produção magnífica e criativa, dando vida a todo aquele mundo de pesadelos e sofrimento. É soberbo, fantástico e monstruoso.

Coppola realmente dominou Hollywood na década de 70, onde além de realizar obras primas como os dois primeiros capítulos de O Padrinho e The Conversation, em 1974, com Gene Hackman, elevou ainda mais o seu status como gênio no que fez, apesar de enfrentar dificuldades extremamente desafiadoras para dar vida à Apocalypse Now. O filme é magnífico em tudo, e a sua beleza ultrapassa o tempo, e o seu contexto, alucinante, atinge profundamente quem viu este filme.

Tratando-se de um filme de Coppola, o enredo é complexo e deliciosamente fascinante de se seguir  conquistando o público pela eficiência da sua construção e o desenvolvimento sem pressas, dos seus personagens, munidos de características individuais fantásticas e atraentes. O filme, quase não saiu do papel, devido a inúmeras dificuldades e detalhes que envolveram toda a grande produção do mesmo. O próprio Coppola quase sucumbiu, durante as filmagens desta sua obra de arte.

Baseado no romance "Heart of Darkness", de Joseph Conrad, o filme começa sem títulos e muito menos os créditos normais mostrados no inicio de qualquer película. Somos logo alertados pelo tema de abertura, para o que vamos vêr . "The End", dos Doors, insinua-se suave e dramaticamente, deixando no ar a sensação de que algo dramático se avizinha. O enredo é desenvolvido lentamente,

explorando ao máximo as suas personagens centrais, as suas angústias, medos, e desejos. Tudo é construído e conduzido com todo o cuidado, meticulosamente dirigido pelo genial cineasta por trás das câmeras. A abertura é belíssima, exuberante e faz-nos revolver nas cadeiras, ansiosos pela imagem seguinte.

A atuação de Robert Duvall é sem dúvida umas das melhores do filme, tanto é que o mesmo foi indicado para um Óscar, na categoria  de “Melhor Actor Secundário”. Velho conhecido de Coppola, a intimidade de ambos no ambiente de trabalho revela-se de extrema importância para os resultados finais desejados. Louco por se evidenciar, o seu personagem, Kilgore esbanja personalidade, mostrando uma enorme e bem conseguida excentricidade. Os seus diálogos são magníficos e a forma como o actor dá vida ao seu personagem impressiona pela honestidade, sempre intercalando a violência devastadora da guerra, ali mesmo ao lado com momentos descontraídos, onde o assunto da conversa, gira em torno de pranchas, ondas, surfe. Desconcertante.

Que banda sonora soberba a deste filme. É raro quando uma produção se completa de tal forma que se torna fascinante acreditar que tudo é perfeito na sua concepção. O ataque dos helicópteros a uma aldeia ao som de "The Ride of the Valkyries", de Wagner é arrasador, tamanha é a sua grandeza. Talvez por isso mesmo, tenha ganho o Oscar na categoria de  “Melhor Som”,

Os personagens secundários também ganham espaço para se desenvolverem dentro da trama, mesmo que seja curto para muitos.O facto é que os companheiros do protagonista Willard (Martin Sheen), emcubidos de levar o capitão rio acima, Chef (Frederic Forrest), Chief (Albert Hall), Lance (Sam Bottoms) e Clean (Larry Fishburne) não são desprovidos de personalidade,como acontece muitas vezes, na maior parte dos  filmes aonde não sobra tempo necessário para explorar os personagens secundários, muito pelo contrário, em Apocalypse Now, cada um possui uma peculariedade única, personalidades fortes e interessantes.

Martin Sheen entrou no projecto com o barco já a navegar, após ser chamado para substituir outro actor que já estava integrado no elenco, havia já algumas semanas, e depois de estrelas como, Steve McQueen, Al Pacino , terem recusado o papel, por motivos pessoais. Sheen, assentou com uma luva no papel do Capitão Willard, responsável por cumprir um missão de extrema dificuldade e complexidade, envolvendo o Coronel Kurtz (Marlon Brando). A forma como vai desenvolvendo o

seu personagem ao longo do filme é de tirar o fôlego, tamanho é o seu aprofundamento sufocante e irresistivel aos mistérios que cercam Kurtz.

As sequências da ponte, dos helicópteros, dos confrontos pelo rio acima, tudo está tão bem filmado por Coppola que realmente transporta o telespectador para dentro do filme. Vencedor do Oscar na categoria “Melhor Fotografia”, o filme contém uma das mais belas sequências de todos os tempos. A beleza que se forma na tela é deslumbrante, poética e magnífica. Poucas vezes na história cinematográfica de Hollywood, se captou tão bem imagens como estas. Dramáticas, sensíveis, emocionantes, líricas, aterrorizantes, toda a concepção e estrutura de Apocalypse Now foi orquestrada com tamanha magnitude que é complicado explicar em simples palavras.

Marlon Brando, o maior actor de todos os tempos, um homem que se tornou em lenda ainda em vida, aquele que dispensa comentários, aquele que carrega fama, polémica e talento de sobra, também está presente em Apocalypse Now. O seu personagem Coronel Kurtz é o mais complexo de todo o filme. Não seria possível explicar a sua personalidade com palavras. Não seria o suficiente para compreender a fundo as suas ideias. Apesar de Sheen e Duvall em grande estilo, é Brando quem rouba todas as atenções, como se isso fosse alguma novidade, numa carreira repleta de lendários personagens, fortes e polémicos.No entanto, Jack Nicholson, Robert Redford, e James Caan  tinham sido sondados para representar o personagem do persegudo Coronel Kurtz.

“O Horror...O Horror..” Estas simples palavras tornaram-se ícones pelo facto de simplificarem todo o pesadelo que cerca o universo de Apocalypse Now. O terror da guerra e dos homens. A sua personagem é a grande responsável por obrigar o público a reflectir sobre os limites humanos, sobre o ser irracional, as atitudes impensadas, personalidade complexa, de até onde vai a capacidade do ser humano em lidar com outras pessoas e o seu meio. Kurtz provoca não apenas reflexão em Willard, como também provoca a mesma sensação nos telespectadores.

Teria o Coronel Kurtz enlouquecido pela guerra ou ter se ia tornado num ser que superou os limites humanos, estando acima da compreensão dos limites da sua raça? Ao conhecer o horror da guerra, familiariza-se e envolve-se com o mesmo, tendo Kurtz atingido um estado mental que estaria aquem da compreensão dos demais? Willard, ao prosseguir ma sua viagem sem volta ao encontro de Kurtz, o que procurava realmente encontrar? A busca por respostas que possam explicar as razões da

loucura de uma guerra, entre integrantes da mesma raça é procurada insensantemente por Willard?

O final de Apocalypse Now é chocante, eletrizante e angustiante. As sequências do ritual envolvendo o sacrifício do búfalo, intercalado com Kurtz e Willard, são arrebatadoras e magníficas. Originalmente o final de Apocalypse Now exploraria outro desfecho. Os créditos subiriam na tela com a grande destruição da aldeia de Kurtz, com vários ângulos e efeitos surreiais tomando conta da projecção, numa sequência de cores e visuais impactantes. E, voilá...Willard transformar-se ia no novo Kurtz.

Porém Coppola acreditava que esta era a mensagem errada a passar ao público. O final deveria mostrar Willard vencendo Kurtz , atirando a sua arma ao chão, e indo embora com o jovem Lance. O gesto de Willard seria repetido pelos integrantes da aldeia, num simbolismo que indicaria o fim da guerra. As versões que continham o final repletos de explosões bélicas, com os créditos finais, foram retirados do mercado por Coppola, após perceber o equívovo.

Apocalipse Now é muito mais que um filme de guerra, é um marco cinematográfico, devido á sua enorme capacidade de provocar reflexão pelo seu contexto complexo e muito bem construido. Uma verdadeira obra prima, que valeu todos os esforços de Coppola para fazer chegar o filme ás salas de cinema de todo o mundo. 

Pink Floyd / Syd Barrett. Os pioneiros do psicodelismo ?!

 Tibet, circo, música hindu, religião, Bach, mensagens subliminares, amor, técnicas de gravação, medicina e farmacêutica, fitas invertidas, Dylan, música infantil, cravos, Inglaterra vitoriana, Alleister Crowlley, vaudeville, vocais superpostos, televisão, Gandhi, Motown, jazz, Elvis, orquestras, dinheiro, cordas, música erudita, Stockenhausen, nostalgia, esta a paisagem total criada pelos Beatles que daria inicio á psicodelia do final dos anos 60.

Um elemento era fundamental para a psicodelia em ambos os lados do Atlântico (e para o resto do mundo): o LSD. Sintetizado por Albert Hoffman no final dos anos 50, o ácido lisérgico 25 foi a chave para toda a geração do flower power perceber a nova dimensão que o mundo estava a ganhar, o formato das coisas que estavam para acontecer. Era um portal para uma nova consciência que revelava nuances da realidade imperceptíveis, para os quadrados, os bota de elástico. Mais do que uma droga hedonista, que apenas faz com que o usuário se sinta bem, o LSD tinha um caráter de revelação, de iniciação mística e espiritual, que fez com que toda uma geração (gente que hoje anda pela casa dos 50  e recrimina os seus filhos por usar coisas bem mais leves) entrasse na mesma sintonia e se observasse, ao mesmo tempo, no mesmo espelho.

Mas se os Beatles tinham a responsabilidade de serem os líderes desta geração, disfarçando as suas mensagens em títulos que soavam como piadas internas, sendo "Lucy in the Sky with Diamonds" (LSD) o caso mais clássico, outros grupos não estavam nem um pouco preocupados em ser subtis. O mais evidente de todos era, os Pink Floyd, cujas apresentações ao vivo eram perfeitas para se "viajar no ácido". Tomados pelo espírito inventivo e experimentalista que o ácido proporcionava,  levitavam o rock para uma realidade desconhecida, andando no lado escuro do sonho que os Beatles desenharam.

O grupo foi criado em 1965 no curso de arquitetura da Escola Politécnica da Regent Street, em Londres. Eram apenas quatro estudantes excêntricos. O guitarrista Syd Barrett, o baixista Roger Waters, o teclista Rick Wright e o baterista Nick Mason, que resolveram começar como outra banda qualquer, a tocar opop em voga na época, mas que por influência do ácido, passaram a experimentar sons e atitudes, que os levavam a viajar por dimensões musicais, desconhecidas nesse tempo. O 2front man", era Syd Barrett, responsável pelos limites explorados pelo grupo. Barrett era uma versão rock de uma mistura de Salvador Dali com Buda, liderando o grupo e os seus primeiros fãs com a placidez de um líder religioso, mas com o espírito inventivo e de inovação que move a arte desde o começo dos tempos. Introspectivo fora do palco, Syd entregava-se por inteiro quando mergulhava na música.

O grupo passou por várias encarnações, usando nomes como, Meggadeaths, Sigma 6, Abdabs (que contava com a futura esposa de Wright, Juliette Gale, na formação e se apresentava de forma convencional, como Architectural Abdabs , e não-convencional, como Screaming Abdabs, por vezes na mesma noite, Leonard’s Lodgers e T-Set, em cada uma delas lapidando o som que mais tarde seria o som dos Pink Floyd. Este nome inclusive, mostra o nível de liderança que Barrett exercia sobre seus outros companheiros, pois foi tirado de uma visão que o guitarrista teve durante uma viagem de ácido. Pink Floyd, resulta da fusão dos primeiros nomes dos bluesmen favoritos de Syd, Pink Anderson e Floyd Council. Na época ninguém contestou o baptismo premonitório.

E como Pink Floyd, o grupo saiu do circuito universitário, freqüentando casas nocturnas que em pouco tempo se tornariam referenciais da cultura londrina. Vivendo em plena era da Swinging London, Londres assistia ao nascimento da sua psicodelia à medida que as cores apareciam e o volume dos sons aumentava, como se a própria cidade tivesse tomado LSD.

Os mods tornavam-se cada vez mais coloridos e os rockers cada vez mais barulhentos e essa combinação de estilo com ruído caía como uma luva nas apresentações dos Pink Floyd. Em casas de espectáculo como o Marquee, a Roundhouse e o UFO, tocavam rocks primitivos, como "Louie Louie", em versões caóticas, além de apresentar as canções do vocalista e guitarrista – jóias pop distorcidas em clássicos lisérgicos. Ocasionalmente comportavam-se como uma banda tradicional, experimentando em estúdio e no palco os limites que poderiam ser encontrados entre refrões, introduções, solos. Outras vezes deixavam simplesmente o instinto liderar, originando jam sessions intermináveis, onde barulho e silêncio se encontravam com instrumentos tocados de forma não convencional, efeitos de som e de luz, projecção de slides, seqüências de notas heterodoxas e a repetição usada ao extremo.

 Gravaram o seu primeiro single, de forma independente, com Joe Boyd,o futuro George Martin do folk inglês atrás da mesa de mistura. O 45 Rpm,  "Arnold Layne", sai em 1967, dando inicio e corpo ao Rock Psicadélico, que viria a ser a marca registada dos Pink Floyd. Joe Boyd mais tarde seria responsável pelos melhores discos da Incredible String Band, dos Fairpoirt Convention, Sandy Denny, Richard Thompson e Nick Drake – além dos primeiros discos dos R.E.M. Os temas do vinil, Arnold Layne/Candy and a Current Bun, já mostrava a disposição para ir contra a corrente.

No lado A, Syd Barrett cantava sobre o personagem-título, Arnold Layne, um travesti cujo principal passatempo era roubar roupas femininas. Roger Waters, contava: 

"Tanto minha mãe quanto a de Syd tinham estudantes como inquilinos, porque havia uma escola de raparigas acima, na estrada, então havia constantemente grandes varais de sutiãs e calcinhas, e 'Arnold', ou quem quer que ele fosse, fugia com algumas peças desses estendais de roupa. 

O lado B, "Candy and a Currant Bun", teve que ter o seu título mudado pois o original, "Let’s Roll Another One" (Vamos Enrolar Mais Um), daria problemas com a autoridade. Nos dois temas, o experimentalismo sonoro, já estava em voga, com efeitos sonoros, cadências estranhas, o estranho cruzamento do som da guitarra Danelectro de Syd, e dos teclados de Rick sobre o "cozinhado" anfetamínico de Waters e Mason. Os vocais de Syd, contrapunham-se com as melodias, quase infantis, das duas canções. O single teve óptimo desempenho nas listas de vendas, atingindo o 20º posto em Inglaterra. 

O seguinte, "See Emily Play", parente inglesa do single dos Doors, Scarecrow, lançado nos U.S.A. na mesma época, seguia o rumo do primeiro, mas a regência já não era de Boyd, mas de Norman Smith, engenheiro de som da EMI que tinha trabalhado em pelo menos quatro discos dos Beatles. Os Pink Floyd, foram levados para a mesma gravadora do grupo de Liverpool após o seu primeiro contrato com o empresário Peter Jenner, que passeava por Londres procurando uma banda que pudesse mudar a sua vida. Encontrou os Floyd num show no Marquee Club e resolveu transformá-los nos seus Beatles. Logo o grupo estava a tocar no concerto de lançamento do diário da revolução sonora londrina , o International Times, também conhecido com It , em Dezembro de 1966.

O nome do grupo começava a tornar-se conhecido, e fariam a sua primeira tournê pela Europa no inverno de 1967. Voltaram da Holanda no dia 27 de Abril daquele ano, ao Alexandra Palace, ainda a tempo de se apresentarem como a principal atração do minifestival "14 Hour Technicolor Dream", ao lado de artistas como Yoko Ono, os Pretty Things,  Graham Bond,  Alexis Korner, e os Crazy World Of Arthur Brown,  (aquele grupo que ficou famoso por o vocalista atear fogo ao próprio corpo durante o seu único hit,  "Fire") e os Soft Machine, entre muitos outros. Ficou claro que o grupo era o principal nome da nova cena londrina. 

A consagração aconteceu no mês seguinte, no show Games For May, cujo título tinha sido tirado de See Emily Play, no Queen Elizabeth Hall. O evento multimídia colocava os Floyd no centro das atenções, entre música eletrónica, shows de luzes, projeções de imagens, incenso e a estréia do Azimuth Co-Ordinator, o impressionante sistema de som e efeitos sonoros do grupo.

Estava na hora de entrar no estúdio para gravar o seu primeiro álbum. Assim nasceu o famigerado, "The Piper at the Gates of Dawn", cujo título havia sido retirado do livro infantil "The Wind in the Willows". 

Gravado no estúdio 1 do complexo da EMI (que mais tarde viria a ser conhecido como Abbey Road). O disco foi concebido enquanto os Beatles terminavam o seu megaprojeto "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" no estúdio ao lado, o numero 2. A vibração psicodélica estava no ar e muitos ainda cogitam a possibilidade de um disco ter influenciado o outro, devido aos encontro esporádicos entre Barrett e John Lennon nos corredores da gravadora, saindo dos estúdios para fumar um cigarro ou tomar uma chávena de chá. Capitaneados pelo mesmo Norman Smith de See Emily Play (que depois levaria os seus conhecimentos sonoros lisérgicos adquiridos com os Floyd para as gravações do melhor disco dos Pretty Things, "S.F. Sorrow" ).

"The Piper at the Gates of Dawn" é o disco mais pop e mais psicodélico simultaneamente que a história do rock já viu. Lançado no dia 5 de Agosto de 1967,  foi juntamente com os seus contemporâneos, como o primeiro disco dos Doors, o primeiro de Frank Zappa, o primeiro do Velvet Underground, Smiley Smile, dos Beach Boys, ofuscado pelo lançamento de Sgt. Pepper’s, dos Beatles, que é inevitavelmente o disco mais importante deste período. Mas o disco de estréia dos Pink Floyd explora o limite entre o pop e a lisergia de uma forma que os Beatles nem sequer, consideravam. 

Depois do lançamento do disco, Barrett começou a dar sinais que a quantidade de ácido que tomava não estava a fazer nada de bom à sua cabeça e teve de ser afastado do grupo, sendo substituído por David Gilmour já no segundo álbum, "A Saucerful of Secrets".

O legado de Syd Barrett está totalmente concentrado no primeiro disco dos Pink Floyd, que viria a ser a principal banda do rock progressivo, levando o conceito dos Beatles em Abbey Road (de 1969) às últimas conseqüências. Mesmo na sua errática carreira a solo, em que preferia esmurrar a sua guitarra a explorar novos horizontes sónicos, Barrett não conseguiu atingir o mesmo vigor e brilho do auge da psicodelia londrina. Nem ele, nem ninguém.

Fonte: Alexandre Matias, e Wikipédia.

Afinal, o Chita que morreu, não era o original.

Cheeta, ou Cheetah, Cheta, ou ainda Chita, morto no último dia 24 de Dezembro, o chimpanzé  que, segundo o Santuário Suncoast, nos Estados Unidos, foi o intérprete de Chita nos primeiros filmes de Tarzan teve a sua identidade colocada em dúvida por especialistas. Para eles, a suposta idade do animal, que teria morrido aos 80 anos de idade, seria um dos indícios de que não se trata do Chita original.

Debbie Cobb, directora do santuário na Flórida onde o primata vivia, disse nesta quarta-feira, 28 de Dezembro, que os seus avós compraram Chita, por volta de 1960, ao primeiro actor de “Tarzan”, Johnny Weissmuller, e que o chimpanzé apareceu em filmes de personagem entre 1932 e 1934. Cobb, porém, não apresentou documentos, dizendo que eles foram destruídos num incêndio em 1995. Além disso, relatos em Hollywood indicam que o chimpanzé macho chamado Jiggs, ou Mr. Jiggs – intérprete de Chita na época de Weissmuller –, morreu em 1938.

Também contribui para as suspeitas a idade da suposta Chita do Suncoast: o facto de que um chimpanzé de 80 anos, seria extraordinariamente velho, talvez o mais velho já conhecido. De acordo com diversos especialistas e com o Save the Chimps, outro Santuário da Flórida, os chimpanzés criados em cativeiro geralmente vivem entre 40 e 60 anos. Já o Lion Country Safari, também na Flórida, diz que abriga um animal que tem cerca de 73 anos.

Uma controvérsia similar, envolvendo outro chimpanzé que supostamente actuou ao lado de Weissmuller, foi revelada em 2008 pelo jornal “Washington Post”. O jornalista e escritor americano Richard Dean Rosen descobriu que um outro primata - também apontado como sendo o Chita original -, que vivia em Palm Springs, na Califórnia, tinha nascido por volta de 1960 e que, portanto, não tinha idade suficiente para ter aparecido nos filmes de Tarzan, da era de ouro de Hollywood. Os filmes estrelavam o campeão olímpico de natação Johnny Weissmuller e tinha a actriz Maureen O’Sullivan no papel de Jane.

Como vários chimpanzés estiveram nos filmes do Tarzan feitos nos anos 1930 e 1940, Rosen escreveu  num e-mail, nesta quarta-feira, que a Chita morta na véspera de Natal parece ser também uma “impostora”. 

“Receio que qualquer chimpanzé que tenha, de facto, dividido a cena com Weissmuller e O’Sullivan esteja morto há muito tempo”, disse Rosen.

De acordo com Debbie Cobb, a Chita do Suncoast morreu vítima de insuficiência renal e foi cremada. 

“Infelizmente, houve um incêndio em 1995 que destruiu muitos documentos”, lamentou ela. “Eu tenho 51 anos e conheço Chita desde sempre. A minha primeira lembrança é da época em que eu tinha cinco anos de idade, e ele já era um chimpanzé adulto, na época”.

O historiador do cinema Robert Osbourne afirmou que o personagem Chita “era uma das coisas que as pessoas adoravam nos filmes de Tarzan porque fazia as pessoas rirem. Era sempre a parte engraçada dos filmes”. De acordo com Osbourne, Chita foi tão popular quanto o pastor alemão Rin Tin Tin e o terrier Asta, que fez sucesso na década de 1930. Chita, era a principal estrela”, continuou o pesquisador.

No santuário da Flórida, Chita era extrovertido, adorava fazer pinturas com os seus dedos e gostava de ver pessoas rirem, informou Cobb. Mas o chimpanzé também podia ser mal-humorado. Cobb conta que, quando não gostava de algo, Chita arremessava fezes e outros objectos.

Premiata Forneria Marconi, o Rock Progressivo Italiano

Premiata Forneria Marconi é uma banda italiana da área do rock progressivo formada em 1972 e que atingiu grande popularidade nessa década, com sucessos nos dois lados do Atlântico. Apesar de compartilhar o estilo com várias outras bandas italianas conteporâneas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo e Le Orme, os PFM, foram a única banda italiana do género a conseguir projecção internacional.

A sua música mostra influências dos King Crimson, e posteriormente dos  Genesis, mas a PFM, manteve sempre um alto nível de originalidade, contando com o som distinto do Mediterrâneo.

Os italianos são devotados ao rock, há muito tempo. De uma maneira geral, nunca se dedicaram ao rock pesado, mas sim, aquele  rock mais voltado para a música pop, ou então o do outro extremo, o erudito.

No final da década de sessenta, surgiram bandas em Itália, que faziam versões em italiano de músicas de conjuntos ingleses, tais como os "I Camaleonti" e "I Quelli". Dos Camaleonti, por exemplo, há uma versão para a música "Homburg", dos Procol Harum. Dos Quelli, havia uma versão de "Rain And Tears", dos Aphrodite's Child.

A maioria dos conjuntos italianos do final dos anos sessenta, ou do início dos setenta, desapareceu. Somente alguns músicos continuaram noutros grupos. O caso mais notável, de que se tenha notícia, foi o dos "Quelli", que acabou por originar os Premiata Forneria Marconi, com pequenas modificações, na sua formação.

Os "Quelli" eram um quinteto integrado por Franco Mussida (guitarra e vocal), Franz Di Cioccio (bateria), Flavio Premoli (teclados) Alberto Radius (guitarras), e Teo Teocolli (vocais). Por volta de 1971, os Quelli, passaram a chamar-se, Premiata Forneria Marconi (PFM), com a seguinte formação. Franco Mussida, Flávio Premoli, Franz Di Cioccio, Mauro Pagani (violinos e flautas), e Giorgio Piazza (baixo). Com esta formação, realizaram aberturas para alguns concertos italianos dos Yes. De acordo com a imprensa italiana da época, executavam com grande maestria músicas dos primeiros álbuns dos King Crimson.

Gravaram o primeiro LP, "Storia Di Un Minuto", lançado somente na Itália, em janeiro de 1972. O disco já trazia um prenúncio de que os PFM estavam dispostos a conquistar um lugar de honra na história do rock progressivo, e realmente conseguiram esse desiderato. Tão grande foi a aceitação da banda pelo público italiano, que no mesmo ano viriam a gravar o segundo LP.

A banda, não passou despercebida a Peter Sinfield, letrista dos King Crimson. Sinfield levou os PFM, a gravar em Inglaterra, em inglês. E ainda se deu ao trabalho de escrever as letras das músicas, para eles.

Ainda em Outubro de 1972, os PFM entravam nos estúdios da Manticore, selo dirigido por Greg Lake, - Gregory Stuart "Greg" Lake - autor, produtor, baixista e cantor, primeiro dos King Krimsson, e posteriormente, letrista, baixista e guitarrista dos Emerson, Lake & Palmer.

 O disco só sairia em 1973, com o nome "Photos Of Ghosts". Ao contrário do que acontecia com os Quelli, o disco trazia versões em inglês de músicas dos primeiros discos dos PFM.

Os discos da banda seriam,obrigatoriamente, por contrato, editados em Inglaterra, nessa década. Este pormenor, contribuiu muito para a evolução, dos PFM, granjeando-lhes uma identidade própria e dando-lhes acesso a outro mercado, o norte-americano. 

Um factor que também contribuiu para o sucesso nos U.S.A. foi o grande número de imigrantes italianos . Isto ficou comprovado com o LP "PFM Live In USA", gravado em agosto de 1974. Vale aqui dizer que, desde o LP "L'Isola Di Niente" tinha entrado um novo baixista, Jan Patrick Djivas (ex-Area).. O disco de 1974, "L'Isola Di Niente" (em Inglaterra baptizado com o nome "The World Became The World"), foi em grande parte gravado em Londres, entre Novembro de 1973, e Fevereiro de 1974.

Em 1975, os PFM cometeram um erro, que originou um grave desprestigio ao grupo. Contratou o cantor Bernardo Lanzetti, proveniente do grupo "Acqua Fragile", que era produzido em Itália por membros dos PFM. 

Lanzetti tinha aspirações de ser o Peter Gabriel italiano,  e isso incomodou os fãs e os criticos mais fanáticos italianos.  Para os irritar ainda mais, o disco "Chocolate Kings" (o primeiro gravado com Lanzetti), só foi cantado em inglês. Embora os italianos respeitassem os outros discos ingleses da banda, acharam que este facto era demais para eles. 

O disco de 1977, "Jet Lag", foi vítima do mesmo pecado. Foi gravado nos U.S.A., e marcou uma mudança na formação: Pagani saiu, e foi substituído no violino por Gregory Bloch. Entre os cinco temas do disco, somente uma delas era cantada em italiano. Por estranha curiosidade, trazia o título "Cerco La Língua", ou seja, "Procuro A Língua". Seria isso uma confissão, o revelar de um sentimento de culpa que a banda vivia?

A resposta viria em seguida, no disco "Paspartú", lançado em 1978. A partir deste, a banda deixaria de cantar, e de gravar em inglês. 

Somente em 1981 fariam outra experiência lingüística, cantando um dialecto da região de Milão, de onde eram originários. Aí foram compreendidos. 

Depois de "Paspartú", Lanzetti deixou a banda. Foi quando Di Cioccio assumiu os vocais e a exemplo de Phil Collins (dos Genesis) passou a contratar bateristas para os seus concertos.

Desde 1980, com "Suonare Suonare", os PFM tem um novo violinista, Lucio Fabri.

Surdez, influenciou a musica de Beethoven

A surdez progressiva influenciou profundamente as composições de Beethoven, levando-o a escolher notas de frequência mais baixa conforme sua condição piorava, afirma um recente estudo. 

Beethoven mencionou pela primeira vez sua perda de audição em 1801, aos 30 anos, dizendo que estava com problemas para ouvir notas altas de instrumentos e vozes. Em 1812, as pessoas precisavam gritar para se fazer entender por ele e, em 1818, o músico começou a comunicar com os outros através de anotações. Nos últimos anos antes de sua morte, em 1827, a sua surdez, aparentemente, era total. 

Na última edição do British Medical Journal (BMJ), um trio de cientistas Holandeses examinou os quartetos de cordas de Beethoven. Estes agruparam esses trabalhos em quatro períodos, dos primeiros (1798-1800) ao último (1824-26).

Os especialistas observaram a primeira parte de violino no primeiro movimento de cada quarteto, contando o número de notas acima de G6 (acorde de sexta, Sol, Si, Ré, Mi), que corresponde a 1,568 Hertz. 

Descobriram que o uso de notas mais altas decresceu conforme a surdez aumentou. Para compensar, Beethoven usava mais as notas de frequências baixas e médias, que ele podia ouvir melhor quando a música era tocada. 

Mas nos últimos quartetos, escritos quando ele estava totalmente surdo,as notas mais altas voltaram a aparecer. O estudo é de autoria de Edoardo Saccenti, Age Smilde e Wim Saris do Centro Metabolômico dos Países Baixos, em Leiden.

Carl Perkins, o pioneiro do Rockabilly

Carl Lee Perkins (19 de abril de 1932 - 19 de Janeiro de 1998) foi o pioneiro do rockabilly, uma mistura de rhythm and blues e country music que foi publicitado em primeiríssima mão pela Sun Records em Memphis, Tennessee no começo dos anos 50. 

Nascido em Tiptonville, Tennessee, filho de um pobre fazendeiro arrendatário, Perkins cresceu cercado pela música gospel sulista, cantada pelos negros que trabalhavam nos campos de algodão. Aos 7 anos de idade já tocava guitarra, feita por seu pai com uma caixa de madeira, um cabo de machado, e uma corda de embrulho.

Carl Perkins foi o ícone do rockabilly cujos sucessos iniciais levaram a Sun Records até ao seu estatuto lendário, que hoje tem. Ele e os colegas da gravadora, Elvis Presley, Johnny Cash, e Jerry Lee Lewis foram apelidados de "Million Dollar Quartet. 

 Em 1956, Perkins compõe a música "Blue Suede Shoes" num papel, que servira para embrulhar os legumes que a sua mãe fora comprar ao mercado local. Produzida por Sam Phillips, a canção venderia milhões de cópias. No auge da fama da música, Carl envolveu-se num acidente de carro quase fatal. Enquanto Perkins recuperava numa cama do hospital, o astro em ascensão Elvis Presley lançou a sua própria versão de "Blue Suede Shoes". 

O sucesso de Presley impediu Perkins de alcançar a popularidade que ele parecia estar destinado. Perkins nunca mais conseguiria o mesmo destaque no mundo da música pop. Durante a sua longa carreira gravou inúmeros compactos e álbuns, além de compor vários sucessos tanto no rock quanto na música country. 

As suas músicas ganharam versões dos Beatles (Perkins inclusive colaboraria com Paul McCartney, tocando guitarra rítmica em "Ebony and Ivory", um sucesso conjunto de McCartney e Stevie Wonder). Quando do revival do rockabilly nos anos 80, George Harrison, Eric Clapton e Ringo Starr apareceram com ele mum programa especial televisivo em Londres, chamado ''Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session. 

De volta aos estúdios da Sun em 1986, Perkins juntou-se à Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Roy Orbison para gravar o álbum Class of '55. Foi um tributo ao começo de carreira deles na Sun e em parte a reprise de uma informal jam session que ele, Presley, Cash e Lewis fizeram em 4 de Dezembro de 1956. 

O seu maior hit é, sem duvida, "Blue Suede Shoes", mas muitas das suas outras canções foram gravadas por nomes como Elvis Presley, Johnny Cash, Beatles (coletiva e individualmente), Brian Setzer, e Patsy Cline. Perkins alcançou o seu estatuto de pioneiro do Rock-a-Billy durante a maior parte dos anos 50 e início dos anos 60 mas a sua música "desapareceu" da rádio e da televisão, durante a invasão britânica em meados dos anos 60. 

Em 1987, o reconhecimento da contribuição de Perkins à música veio quando ele foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll. Perkins morreu aos 65 anos de idade depois de sofrer vários derrames e foi enterrado no Ridgecrest Cemetery em Jackson, Tennessee.

Bon Jovi, usa o Twiter, para desmentir a sua morte

Jon Bon Jovi recorreu ao Twitter para desmentir e, ao mesmo tempo, ridicularizar os boatos que o deram como morto. Segundo esses boatos, durante uma viagem em Nova Jersey, uma notícia que foi publicada num blog e se espalhou pela Internet.

Os rumores afirmavam que Jon Bon Jovi tinha morrido em consequência de uma uma paragem cardíaca, e que seu corpo teria sido encontrado em coma pelos paramédicos em um hotel, de acordo com informações do site The Hollywood Reporter.

Bon Jovi, de 49 anos, também brincou com a notícia da sua morte durante um show realizado na noite da última segunda-feira, dia 20, no estado vizinho a Nova York, informou o jornal "The Star-Ledger".

"O inferno parece-se muito com Nova Jersey. Podem dormir tranquilos porque Jon está bem", tuitou o próprio Bon Jovi nesta terça-feira. Para não restarem dúvidas, o cantor também publicou uma foto, a qual o mostra sorridente e empunhando um cartaz com a data e a hora do dia.

O intérprete de temas como "Always", "Bed of Roses" e "Keep the Faith" mencionou o seu suposto falecimento em várias ocasiões ao longo da sua apresentação, que foi realizada no Count Basie Theatre de Nova Jersey.

A suposta morte de Bon Jovi foi publicada na última segunda-feira pelo blog "dailynewbloginternational".

O jornal "Los Angeles Times", por sua vez, assinalou pouco depois que várias das frases do artigo publicado pelo blog pareciam copiadas da sua notícia sobre a morte de Michael Jackson em 2009, mas deixou claro que não tinha nenhuma ligação com a criação deste rumor.

Ao lado de Robert De Niro, Ashton Kutcher e Sarah Jessica Parker, Jon Bon Jovi faz parte do elenco de estrelas do filme "Noite de ano novo", que estreou no inicio deste mês de Dezembro nos Estados Unidos.

Paul McCartney anunciou o lançamento de seu novo álbum.

Paul McCartney anunciou o lançamento de seu novo álbum intitulado, "My Valentine"para 6 de Fevereiro,com as participações especiais de Eric Clapton e Stevie Wonder.

Ainda sem título divulgado, McCartney revelou no seu site oficial, que o álbum terá covers de músicas que o inspiraram na juventude e que vieram a influenciar os Beatles, classificando-as como "as músicas que inspiraram as músicas".

A lista de faixas ainda não foi revelada, mas o ex-Beatle vai avisando que não escolheu regravar grandes clássicos.  

"Era importante para mim manter-me longe das escolhas mais óbvias, por isso,muitas canções serão desconhecidas, para algumas pessoas. Espero que estejam abertas para uma boa surpresa", comentou.

"São canções que eu e John Lennon usamos para basear muitas das nossas composições. Quando eu me comecei a interessar por composição, percebi quão bem estruturadas estas canções eram, e acho que aprendi muitas lições com elas. Sempre achei que artistas como Fred Astaire eram um modelo a ter em atenção. Compositores como Harold Arlen,Cole Porter, compunham temas, que eu sempre achei serem mágicas. Depois, quando me tornei um compositor, achava que era lindo a maneira como eles escreveram aquelas músicas. Portanto, "My Valentine", vai ter um som parecido com o que se fez entre, 1920-1940", explicou.

Além dos covers, o disco terá duas composições originais.No comunicado, McCartney ainda falou sobre o processo de gravação, que passou por Los Angeles, Nova York e Londres. Além de viajar, de estudio para estudio, McCartney, pela primeira vez na sua carreira, gravou os vocais, sem tocar a sua guitarra, violão ou baixo.

"Foi muito espontâneo, meio que orgânico, o que me lembrou a forma que trabalhávamos nos Beatles. Trazíamos uma música, brincávamos com ela e quando achávamos uma maneira de a tocar, dizíamos 'Ok, vamos gravar uma agora'. E quando cada um começava a ter ideia do que estava a fazer, já tínhamos aprendido a música. Então era isso que fazíamos, gravávamos uma versão ao vivo no estúdio", contou McCartney.

Uma faixa do álbum, "My Valentine", está disponível para streaming durante 24 horas, para os assinantes do site de Paul McCartney. A produção do disco foi feita por Tommy DiPuma.

Memory Almost Full, de 2007, é o último disco solo de Paul McCartney. Este ano, ele relançou os álbuns McCartney (1970) e McCartney II (1980) e lançou uma banda sonora original, para o balé Ocean's Kingdom.

Morreu Sérgio Borges, do Conjunto Académico de João Paulo

Sérgio Borges, 67 anos, morreu ontem à noite, no Funchal. Foi o vocalista do Conjunto Académico João Paulo, que nos anos 60 fez sucesso em Portugal.

Sérgio Borges e o Conjunto Académico João Paulo começaram no Funchal, nos primeiros anos da década de 60. Nessa época destacaram-se no panorama nacional com Os Sheiks, Os Conchas, Chinchilas, Duo Ouro Negro, Quarteto 1111 e Demónios Negros, entre outros grupos musicais.

Em 1964 deslocaram-se ao Continente, obtendo grande sucesso no Teatro Monumental e no programa TV Clube. Nesse ano, é editado o primeiro disco do grupo, um EP (formato mais vulgar na época, com três ou quatro canções) com os temas "La Mamma", "Hello Dolly", "Eu Tão Só" e "Ma Vie". No ano de estreia nacional, venceram o Prémio de Imprensa Especial.

Com "Onde Vais Rio Que Eu Canto", da autoria de Nóbrega e Sousa e Joaquim Pedro Gonçalves, Sérgio Borges venceu o VII Grande Prémio da Canção em 1970, ano em que Portugal não participou no Festival da Eurovisão em protesto contra o sistema de votação vigente.

Em 1966, Sérgio Borges ficou em segundo lugar no Festival RTP da Canção, com "Eu Nunca Direi Adeus", tema editado em disco do Conjunto João Paulo que inclui uma versão de "Ele e Ela" de Madalena Iglésias, vencedora desse festival e também, ex-aequo com Sérgio Borges, do Prémio da Imprensa desse ano.

Com vários sucessos na carreira, o grupo madeirense, depois de uma pausa, passa a denominar-se Sérgio Borges & Conjunto João Paulo. O último disco do grupo é editado em 1972. Durante vários anos, este cantor actuou no Casino da Madeira, tendo lançado em 2004 o CD "40 Anos a Cantar", um colectânea dos seus êxitos, como "Hully Gully do Montanhês","Milena (a da Praia)”, "Se Mi Vuoi Lasciare”, "Chove”e “Balada de Uma Rapariga Triste".

Em 1993 a Valentim de Carvalho editou algum do espólio do grupo, num CD intitulado “Os Grandes Êxitos do Conjunto Académico João Paulo”. Em 2008, foi lançado um CD duplo que reúne um total de 42 canções gravadas no período compreendido entre os anos de 1964 e 1968. Um terceiro CD juntará o material registado a partir de 1970 até 1972 onde participou a cantora sul-africana Vickie.

Foram fundadores do grupo, além do vocalista Sérgio Borges, João Paulo Agrela (teclas), falecido em 2007, Carlos Alberto Gomes (guitarra), Rui Brazão (guitarra), Ângelo Moura (baixo) e José Gualberto (bateria), falecido em 2004.

Por: Tolentino de Nóbrega, no Publico

The Beach Boys - 50th Anniversary Reunion, New Album And Tour

OsBeach Boys vão reunir-se em 2012 para lançar um novo álbum e realizar uma tournê mundial com 50 shows, para celebrar o 50º aniversário, anunciou a banda na passada sexta-feira.

O anúncio foi feito por meio de vídeo publicado no YouTube, (cliquem e vejam), e no site oficial do grupo, aonde divulgam uma turnê mundial e o lançamento de um disco de temas inéditos, em que participam todos os membros remanescentes da formação clássica, que inclui o líder e principal compositor, Brian Wilson.

Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, Bruce Johnston e David Marks, - todos eles envolvidos nas primeiras formações dos Beach Boys, na década de 60, altura em que alcançaram a fama com temas como "Surfin' USA", "California Girls" e "Good Vibrations", - estão produzindo um novo álbum, após 15 anos de paragem na sua carreira e em estúdio.

"Esse aniversário é especial para mim porque sinto falta dos fãs, e para mim será uma grande emoção fazer um novo disco e estar no palco com eles outra vez", disse Brian Wilson, agora com 69 anos, em.

O vocalista Mike Love, de 70 anos, acrescentou: "Foi uma emoção voltar a estar em volta de um piano com Brian, Alan e Bruce, e viver novamente, o entusiasmo, o brilho do dom do meu primo Brian, nos arranjos vocais".

O álbum, ainda sem título, deve sair em Abril, num lançamento comemorativo, por ocasião das comemorações do cinquentenário da banda. A tourné começará no Jazz Fest, em Nova Orleans.

Os Beach Boys surgiram em Hawthorne, na Califórnia, em 1961, formados pelos irmãos Brian, Carl e Dennis Wilson, o seu primo Love e o amigo Al Jardin. Johnston e Marks entraram depois.

Shoking Blue, de Mariska Veres.

Os Shocking Blue, banda de Rock/Pop formada em The Hague Holanda pelo guitarrista Robbie Van Leeuwen em 1967, tinha como baterista Cor Van Beek, baixista Klaassje van der Wal e o cantor Fred de Wilde. Chamavam-se apenas “Shoking” e gravaram um "disquinho" que fez um sucesso modesto na sua "terrinha" natal.

Algum tempo depois, o seu empresário foi a uma festa em que actuava uma banda que se dava a conhecer pelo nome de "Bumble Bee", e na qual se destacava a vocalista, Mariska Veres.

Impressionado com a voz e a presença de palco de Mariska, o manager dos Shoking, logo se apressou a convidá-la, para integrar a banda dos seus rapazes.

Mariska, aceitou e de imediato assinou contrato, com a banda logo renomeada de Shoking Blue.

Do seu primeiro trabalho de estúdio, em 1968 Beat With Us, pouco se ouviu falar. Só com a saída do seu segundo vinil em 1969, At Home, é que a banda ganhou reconhecimento mundial. E tudo por causa de um tema, Venus. Vendeu, 13, 5 milhões de discos, e manteve-se durante um largo período, na primeira posição do Billboard Hot 100.

O Lp, incluia ainda o tema Love Buzz , que seria regravado pelos Nirvana, décadas depois.

Mariska tinha uma voz rouca, forte, e usava uma maquilhagem pesada, vestindo roupas que lhe davam um ar completamente hermafrodita, confundindo o publico, que se interrogava se seria de homem ou de mulher, a voz solista dos Shoking Blue.

Durante os anos 70, os Shocking Blue, gravaram excelentes singles, que fizeram enorme sucesso na Holanda, no resto da Europa e no Japão, tais como Mighty Joe, Never Marry a Railroad Man, Hello Darkness, Shocking You, Long and Lonesome Road, Send Me a Postcard, Blossom Lady, Out of Sight, Out of Mind e Inkpot.

Em 1971 o guitarrista Robbie Leeuwen deixou a banda, em conflito com Mariska, por achar que ele é que era o líder, e não conseguia sobreviver ao protagonismo que a imprensa e o publico davam á cantora. Mariska continuou, a trio, mas nunca mais conseguiria nenhum hit, da qualidade de Venus.

Os Shoking Blue, terminariam em 1974.

Mariska tentou construir uma carreira a solo no Pop e Eurodance, sem grande sucesso.

Faleceu a 2 de Dezembro de 2006, aos 59 anos vitima de um cancro, pesava mais de 100 quilos.

Novaiorquinos prestaram homenagem a John Lennon no Central Park

Dezenas de pessoas, prestaram nesta quinta-feira, 8 de Dezembro, no Central Park, no coração de Nova York, homenagem a John Lennon no dia em que se completaram 31 anos desde que um tresloucado tirou a vida ao ex-Beatle.

Lennon foi assassinado em frente ao edifício Dakota, onde morava com Yoko Ono, e a apenas alguns passos do Central Park, com cinco tiros, disparados pelo assassino confesso, Mark David Chapman, que cumpre desde 1981, uma condenação na prisão de segurança máxima de Attica, em Nova York, após várias tentativas frustradas de obter liberdade condicional..

Strawberry Fields, nome que foi dado a uma área do pulmão de Nova York, (Central Park), aonde há um mosaico com a palavra "Imagine", voltou a ficar cheio de flores e de fãs que entoaram músicas dos Beatles e especialmente as compostas por John.

Yoko Ono, por sua vez, usou o Twitter para convidar os admiradores do ex-beatle a deixarem mensagens e homenagens no site ImaginePeace.com, por onde já passaram cerca de mil pessoas.

Coincidindo com o 31º aniversário do assassinato de Lennon, a revista "Time" publicou nesta quinta em seu site oito fotos até agora inéditas de um de seus famosos protestos pacíficos "bed-ins" (na cama), protagonizado pelo artista em um hotel de Montreal (Canadá) em 1969.