Uma nova compilação dos Beatles intitulada "Tomorrow Never Knows" foi lançada exclusivamente no iTunes ontem, terça feira, 24 de Julho. 

A coleção tem 14 das “músicas de rock mais poderosas” dos Fab Four, desde “Paperback Writer" e "Back in the USSR" até "It's All Too Much" e "Savoy Truffl". Um filme promocional para a faixa "Hey Bulldog" também estará disponível para streaming e download gratuito. 

Para comemorar o lançamento, o frontman dos Foo Fighters,  Dave Grohl escreveu uma nota que será postada com a coletânea no iTunes. Nela, Dave fala sobre o impacto que os Beatles tiveram ao longo da sua vida, especialmente a faixa "Hey Bulldog". 

“Se não fossm os Beatles, eu não seria músico. Desde muito jovem, fiquei fascinado com as músicas deles e ao longo dos anos afoguei-me profundamente nos discos deles. No groove e noritmo  deles. Na graça e na beleza deles. Na escuridão e na luz. Os Beatles pareciam capazes de qualquer coisa. Não conheciam limites e nessa liberdade pareciam definir o que nós hoje conhecemos como ‘rock and roll’. 

Mostrei recentemente á minha filha de seis anos, Violet, o brilhante filme Yellow Submarine. Foi a introdução dela aos Beatles e instantaneamente, ela compartilhou a mesma fascinação que eu senti quando tinha a idade dela e descobri os Beatles pela primeira vez. Ela queria saber o nome deles, quais instrumentos que tocaram, quem cantou cada faixa etc etc etc... Deixou-me incrivelmente feliz (e orgulhoso!). Em poucos dias ela sabia os versos e refrões de todas as canções do álbum. Mas teve uma música que se destacou para ela… 

‘Hey Bulldog’ não é um dos maiores sucessos dos Beatles. É o que a maioria das pessoas chamaria de lado b. Mas é um rock tipicamente dos Beatles. A linha de baixo, a batida marca registada de Ringo, a guitarra áspera e distorcida e aquele som que somente o fundo da garganta de Lennon conseguia produzir. Violet, balança, abana a cabeça e os quadris. Quando Lennon canta 'If you're lonely you can talk to me!' isso acalma-nos o coração, como se  finalmente tivesse-mos achado algo em que acreditar. É tão cru e real. É rock 100% atemporal…

De uma geração para a outra, os Beatles manterão-se-ão como a banda de rock mais importante de todos os tempos. 

Fonte: RS Br.

Steven Van Zand - Litle Steven

“Quando pensei que estava fora, eles puxaram-me de volta". A frase dita por Michael Corleone em "O Padrinho III" e repetida à exaustão pelos personagens de "Família Soprano" aplica-se perfeitamente à história recente de Steven Van Zandt. 

O guitarrista de 61 anos, mais conhecido por acompanhar Bruce Springsteen na E Street Band há quase quatro décadas, ganhou fama como actor após interpretar Silvio Dante, um dos escudeiros mais fiéis de Tony Soprano na aclamada serie da HBO. Nestes cinco anos desde o fim da trama, o músico e actor "tardio"  dedicou-se a inúmeros projectos e, apesar de um retorno à TV não ter feito parte dos seus planos, ele acaba por "estrelar"  "Lilyhammer" e, novamente, na pele de um gângster.

Na série, primeira produção original da rede Netflix (e disponível apenas pela internet), Steven é alçado ao posto de protagonista ao dar vida a Frank Tagliano, um mafioso nova-iorquino que entra para o programa de proteção a testemunhas do FBI. Em vez de escolher um local ensolarado para recomeçar do zero, Frank muda de nome para Giovanni Henriksen e vai para Lillehammer, uma cidadezinha pacata na gélida Noruega. Apesar das comparações inevitáveis com o seriado que o consagrou - a voz dele continua a mesma; nos cabelos, uma leve diferença, -  Little Steven, como é chamado, transparece tranquilidade ao falar sobre sua nova empreitada.

"Já esperava essas comparações, é óbvio. Mas quando recebi o convite para estrelar a série, pensei na questão por um minuto e concluí: "Querem saber? Eu não me importo!". A história de "Lilyhammer" era boa demais para resistir . A missão de Silvio Dante era cuidar de Tony Soprano, e ele foi o único da gangue que nunca se quis tornar no chefão da máfia. Já Frank é o chefe, um personagem muito maior. Além disso, o facto de se passar na Noruega faz com que a série seja completamente diferente de "Família Soprano", por isso não me preocupei muito com as críticas.

Além de dar vida a Frank nos oito episódios da atração, Little Steven assumiu pela primeira vez as funções de produtor e roteirista de "Lilyhammer", vigiando de perto cada passo do novo papel, sua segunda incursão pela dramaturgia.

"Quando Anne Bjørnstad e Eilif Skodvin (criadores da série) me apresentaram o projecto, nós trabalhamos juntos por um ano para discutir a premissa, os personagens, para onde a história iria e o quanto de humor iria ter. A série é mais leve e tem mais humor que "Família Soprano". Mas não queria que fosse uma comédia, tinha em mente aquilo que chamamos de dramédia, com alguns momentos sérios".

O género do programa, porém, não foi o único obstáculo no caminho da equipe. Inicialmente criada para a TV norueguesa - onde a estreia conquistou a audiência de um em cada cinco habitantes do país, -  a atracção precisou ser "internacionalizada" para ser transmitida pela Netflix. Entre as adaptações necessárias, uma das maiores preocupações era não afastar o público americano.

"A nossa maior discussão foi sobre o quanto do idioma inglês ela deveria ter. Então, nós decidimos que o meu personagem entende norueguês, mas não fala. Frank só se comunica em inglês. Essa solução foi útil, já que os americanos não são loucos por legendas. Explica: "Tudo o que mostrarmos será novo, afinal, quase ninguém nos EUA sabe muito sobre a Noruega, e o país é um personagem importante do show.

Para se dedicar a uma iniciativa tão ousada, a série é a primeira tentativa da Netflix, canal via internet cuja programação é disponibilizada por streaming, de produzir conteúdo próprio e exclusivo, sem o suporte de uma rede de TV tradicional, Steven precisou encontrar uma brecha na sua agenda.

"É que tenho esse pequeno problema no momento, chamado turnê de rock'n'roll. Por isso, não sei quando sai a nova temporada. Se tivermos uma pausa no meio da turné, eu posso filmar, mas, se não der, vou ter que esperar até meados do ano que vem. Então, provavelmente, só em 2014.

The Who anuncia tourné dedicada a Quadrophenia

Os remanescentes membros dos Who anunciaram que irão fazer uma tourné de 36 datas na América do Norte tocando na íntegra, o clássico, Quadrophenia, de 1973. A maratona começará em 1 de Novembro em Sunrise, na Flórida, e terminará em 26 de Fevereiro em Providence, Rhode Island

A última vez que a banda levou o álbum para a estrada foi em 1996 e 1997. “Estávamos ansiosos para trabalhar juntos antes de cairmos mortos”, afirmou Pete Townshend numa entrevista colectiva, á imprensa ao lado de Roger Daltrey, em Londres, na passada quarta feira, 18 de Julho. “Eu não sei por mais quantos anos serei capaz de cantar essas música”, acrescentou Daltrey.

Townshend também falou sobre o assunto num comunicado. “Eu realmente, ainda tenho prazer em tocar o disco todo. Algumas das músicas dos Who são um pesadelo para se tocar ao vivo. Roger tem umas músicas bem difíceis de cantar, e ele deve ter preferências. Mas para mim, na guitarra, tudo flui sob os dedos.”

Antes de sair em tourné, a banda vai tocar nas Olimpíadas de Londres. “Gravamos uma música que achamos que é fabulosa para o encerramento dos Jogos”, contou Daltrey. “Este país colocou músicas fabulosas no mundo. O negócio não é o Who em um programa de TV. É simplesmente fazer boa música que se aplique ao final desse evento, no qual vocês tem pessoas que deram os últimos oito anos da vida delas para estar lá, naquele campo.”

Além de Daltrey e Townshend a tourné contará com o filho de Ringo Starr, Zak Starkey (bateria), Pino Palladino (baixo), Simon Townshend (guitarra/backing vocals) e Chris Stainton, Loren Gold e Frank Simes (teclados).

Townshend falou ainda sobre sua autobiografia, que será lançada em breve, "provocando" Mick Jagger.

“O que eu me lembro, é do tamanho do pénis do Mick Jagger – lembro-me de ser enorme e extremamente saboroso”, afirmou, fazendo referência a outra autobiografia de um astro do rock, Vida, de Keith Richards (que no livro fez declarações sobre o tamanho do órgão de Jagger). Ao ver Daltrey rindo, ele continuou: “Eu não lembro nada sobre o do Roger... e não ousaria mencioná-lo. Vamos esperar que isso caia na internet”.

por Patrick Doyle

C.T.A. - Chicago Transit Authority

A banda foi formada em 1967 na cidade homónima, Chicago. A formação inicial, The Big Thing, incluía Walter Parazaider no saxofone, Lee Loughnane no trompete, Terry Kath na guitarra e voz, Danny Seraphine na bateria, James Pankow no trombone e Robert Lamm no órgão e voz. Não tinham baixista, mas, em Dezembro de 1967, Peter Cetera juntou-se a eles, vindo da banda rival The Exceptions, e assumiu os vocais, bem como o baixo.

Sob a orientação do empresário e produtor James William Guercio, que, inicialmente, tinha dado à banda o nome de Chicago Transit Authority (nome que teve depois de ser reduzido porque o Departamento de Trânsito de Chicago não autorizou o uso do nome), a banda mudou-se para Los Angeles e assinou com a gravadora Columbia Records. Em 1969, foi editado o seu álbum de estréia, "Chicago Transit Authority", que vendeu mais de 2 000 000 de cópias e colocou quatro singles nas listas de vendas, facto que se repetiria ao longo da sua carreira e nos álbuns seguintes, cada um deles com uma ligeira variação na capa, na qual, ao lado do logotipo da banda, era acrescentada a numeração do respectivo disco.

A música dos Chicago era uma mistura de estilos, desde o rock até a música pop, incorporando elementos do jazz e da música clássica. Mas, depois do tema de Peter Cetera "If You Leave Me Now" se tornar em disco de ouro e chegar ao primeiro lugar das listas de vendas em 1976, o grupo começou a compor mais baladas românticas.

Após a morte de Terry Kath em 23 de Janeiro de 1978, ocorrido num acidente com uma arma de fogo, a banda entrou em declínio, com o aumento do consumo de drogas entre seus integrantes e a crise gerada pela descoberta de graves informações sobre James William Guercio, o seu empresário - entre elas, a de que este os enganava nos mais variados aspectos, e sobretudo, descobriram que ele os "roubava", terminando com a sua demissão. 

A banda, então, decidiu acabar com os numerais romanos nos nomes dos álbuns, partindo para o diferente e ousado "Hot Streets", já com o substituto de Kath, o guitarrista e vocalista Donnie Dacus, que, anos antes, havia actuado no filme Hair (baseado no musical homónimo). Donnie manteve-se na banda, durante a gravação de dois álbuns: "Hot Streets" (1978) e "Chicago 13" (1979), mas não se adaptou ao ritmo da banda e foi despedido logo de seguida. 

Foi então o tempo da Disco Music, lançando o single "Street Player", composição de Danny Seraphine e David Hawk Wolinsky, produção de Phil Ramone e participação do trompetista canadiano Maynad Ferguson e do percussionista brasileiro, Ayrto Moreira. Mas o álbum não vendeu muito bem e em consequência receberam um ultimato da gravadora CBS: se não conseguissem atingir o número de vendas desejado no álbum seguinte, seriam despedidos. 

Face á ameaça, mudaram o seu estilo radicalmente para um rock mais pesado no álbum "Chicago 14" (1980), convidando o guitarrista Chris Pinnick - que soava assustadoramente como Terry Kath, segundo James Pankow - mas os esforços de nada serviram. O álbum foi um fracasso de vendas e os Chicago foram demitidos, assinando em seguida com a gravadora Warner Brothers.

Danny Seraphine, um dos únicos músicos sóbrios na banda, resolveu assumir a liderança e procurou por um novo substituto para Terry. Contactou Bill Champlin, cantor e multiinstrumentista, famoso pelo seu trabalho anterior com a banda californiana "The Sons Of Champlin". Este, por sua vez, chamou o seu amigo de longa data e ex-companheiro de banda (os dois trabalharam juntos nos Airplay), o produtor canadiano David Foster. David aceitou o desafio de produzir o álbum seguinte da banda, mas impondo que eles aceitassem as mudanças que propunha, e que se traduziam numa mudança radical de estilo. 

Nasce então a fase de baladas dos Chicago, com o álbum "Chicago 16", de 1982, e a sua faixa mais famosa, "Hard to Say I'm Sorry", composição da dupla Peter Cetera / David Foster, que renderia outras várias composições de sucesso tanto para os Chicago quanto para a carreira a solo de Peter Cetera, anos mais tarde. O álbum vendeu um milhão de cópias e colocou a banda de novo no topo das listas de vnedas.

Peter Cetera abandonou a banda em 1985, após um ultimato dado pelos colegas. Alguns afirmam que Cetera estava com excesso de vaidade, querendo que o seu nome aparecesse em destaque em todas as citações da banda, mas os outros não concordaram. Além disso Peter Cetera, não queria participar  mais em tournês pois, além de estar exausto, de passar meses na estrada fazendo espectáculos, tinha uma filha pequena e queria acompanhar o seu crescimento. A banda queria desesperadamente, fazer mais tournés, para aproveitar o seu ressurgimento no cenário musical e o grande sucesso dos álbuns "Chicago 16" e "Chicago 17". Peter, então, decidiu realizar o sonho que vinha acalentando há muitos anos: seguir uma carreira a solo. Já tinha lançado um álbum solo em 1980, já na nova gravadora, Warner, mas suspeitou sempreque a gravadora boicotou esse álbum, para não prejudicar e ofuscar os Chicago.

A banda continuou, e audicionou algums musicos para ocupar a vaga de Peter Cetera, alguém que preenchesse os requisitos básicos: ter voz aguda (tenor) e ser baixista. Encontraram o substituto perfeito, em Jason Scheff, filho do baixista da banda de Elvis Presley, Jerry Scheff. Ironicamente, ele foi descoberto quando mandou uma canção demo para o repertório do segundo álbum solo de Peter Cetera, Solitude/Solitaire (1986).

Em 1990, no meio de uma tournê, o baterista da formação original, Danny Seraphine, foi demitido, e a alegação seria de que ele não estava a tocar como antes, e não se dedicava mais, nem se aperfeiçoava. Até hoje paira no ar uma mágoa de Danny. Não toca muito no assunto mas já deixou claro que considera injusta a sua demissão, até porque o seu papel foi fundamental no ressurgimento da banda. Entra em seu lugar o baterista Tris Imboden, que também tocou com Chaka Khan, Earth, Wind and Fire, Doobie Brothers, Al Jarreau, Anita Baker, David Foster, entre outros, e gravou com Peter Cetera (no álbum "One More Story" - 1988), Bill Champlin (no álbum solo "Burn Down the Night" - 1994), David Foster, Kenny Loggins, o guitarrista brasileiro Ricardo Silveira, entre outros.

Em seguida, entrou para a formação o Guitarrista Dawayne Bailey, que durou pouco e foi substituído por Keith Howland, já para a tourné de 1999. Permanece na banda até aos dias de hoje, como guitarrista e vocalista, dividindo as vozes agudas com Jason Scheff.

Da formação original ficaram apenas Robert Lamm, teclista, e o naipe de metais, formado por Lee Loughnane, trumpetista, James Pankow, trombonista, e Walt Parazaider, saxofonista.

Em 1993 gravaram o álbum "Stone of Sisyphus", que a gravadora se recusou a lançar nos EUA, por não considerar o álbum um 'produto vendável'. O álbum chegou a ser lançado no Japão, mas não vingou. A banda então resolveu desligar-se da gravadora e lançar o seu selo independente, a Chi Records.

Em 1995, lançaram o álbum "Night and Day- Big Band", pela Giant Records, com vários standarts de Jazz com nova roupagem.

Lançaram em 2006 o álbum Chicago XXX, pela Rhino Records, uma subdivisão da Warner Bros. A Rhino também relançou versões remasterizadas da maioria de seus álbuns, com acréscimo de faixas inéditas, que foram gravadas na época dos ábuns mas não entraram na edição original.

 James Pankow; Lee Loughnane; Walt Parazaider; Robert Lamm; Terry Kath; Danny Seraphine

Formação original 

Terry Kath - Guitarra e vocais

Robert Lamm - Teclados e vocais

James Pankow - Trombone, vocais e arranjos de metais

Walt Parazaider - Saxofone e flauta Lee Loughnane- Trumpete e vocais

Danny Seraphine - Bateria

Peter Cetera - Contrabaixo e vocais

Outros integrantes 

Laudir de_Oliveira - Percussão, entrou em 1973 e permaneceu até 1981

Donnie Dacus - Guitarrista e vocalista, entrou em 1978, apósa morte de Terry Kath

Bill Champlin - Teclado, guitarra e voz, Entrou em 1982, a convite de Danny Seraphine, já na nova gravadora, Warner

Jason Scheff - Baixista e vocal, entrou no lugar de Peter Cetera, em 1986

Tris Imboden - Baterista, entrou no lugar de Danny Seraphine em 1990

Dawayne Bailey - Guitarrista, entrou em 1990

Keith Howland - Guitarrista e vocal, entrou em 1995 no lugar de Dawayne Bailey

Marty Grebb - Saxofone e guitarra. Ex-integrante do grupo Exceptions, primeira banda de Peter Cetera. Tocou no álbum Chicago 14 1980

Chris Pinnick - Guitarra, esteve no Chicago de 1980 até 1984, aproximadamente

 Fonte Wikipédia

David Bowie. Ascensão e queda de um alienígena do rock!

Ziggy Stardust não se tornou um mito por acaso. A sua influência extrapola o musical e atinge vários campos da expressão humana: nas histórias em quadradinhos, há o Red Rocket 7 — o tributo quase exagerado de Mike Allred —; no cinema Rocky Horror Picture Show (1975), Velvet Goldmine (1998) e Café da Manhã em Plutão (2005) são apenas as referências mais óbvias; na moda, até Kate Moss já encarnou o alienígena na Vogue. De capas recriadas com Lego até selos postais na Inglaterra, as referências são inúmeras: a criatura de David Bowie se tornou um mito da pop art.

E tudo isto por causa de um disco! 

É no clássico The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que toda a história se origina. Em 1972, David Bowie lançou esse que se tornou o álbum mais emblemático de toda sua carreira. O LP é uma ópera-rock que conta a história de um alienígena que chega na Terra para alertar a população sobre a destruição do planeta dentro de 5 anos. Entretanto, aqui ele descobre o sexo, as drogas, o rock’n'roll e se transforma em um astro da música. Depois da ascensão, a queda: um Ziggy Stardust que viveu todos os excessos comete suicídio. Esse trabalho conceitual contou com uma capa especial, fotografada em preto e branco, que ganhou cores lembrando as HQs de ficção científica da década de 50.

Além do disco, entre 1972 e 1973 Bowie fez uma tournê por Inglaterra, Estados Unidos e Japão. Nos shows, o "performer" caracterizava-se como o próprio Ziggy em apresentações temáticas, cheias de recursos teatrais. O artista soube explorar ao máximo aquilo que a obra podia oferecer, lançando mais dois discos em 1973 com a mesma estética — Alladin Sane e Pin Ups — retratando então um Stardust evoluído. Porém, de maneira muito inteligente, David sempre soube inovar e transformar-se — daí o apelido de “camaleão do rock” —, impedindo uma estagnação criativa. Assim, partindo da ideia que Ziggy comete suicídio no final do disco, Bowie anunciou que a trajectória do personagem chegava ao fim na última apresentação daquela tour. O show derradeiro foi registado por D. A. Pennebaker, pioneiro do “direct cinema” e um dos documentaristas mais importantes da história do rock. Apesar do filme ter sido engavetado na época, hoje está disponível em DVD remasterizado.

O disco foi um grande sucesso, assim como a sua tournê, consolidando para sempre a carreira de David Bowie. Com uma qualidade musical ímpar, transcendeu a barreira do tempo e  afirmou-se como um clássico absoluto do rock. Um caso raro de ópera-rock divertida e bem estruturada, sem ser aborrecida (discos como Tommy e The Wall são duplos e muitas vezes ficam girando em torno de um mesmo eixo musical). O álbum aparece muito bem posicionado em absolutamente todas as listas de “os melhores discos de todos os tempos”. Tornou-se uma referência constante, tendo músicas regravadas por incontáveis artistas, desde a banda de pós-punk Bauhaus até as versões bossa-MPB de Seu Jorge, além do Nenhum de Nós que transformou o hit Starman em Astronauta de Mármore.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars tornou-se no documento definitivo do glam rock, um estilo que misturava a sonoridade do hard rock e do proto-punk com melodias pop "colantes", em composições dançantes e curtas, remetendo ao espírito dos primórdios do rock, aliadas a performances teatrais e um visual extravagante. Apesar de não ter "estourado" em todo o planeta, o glam foi um verdadeiro fenómeno de massa em Inglaterra, numa proporção de sucesso local, semelhante á beatlemania! Além de Bowie, o T.Rex de Marc Bolan (que se influenciavam-imitavam-plagiavam mutuamente) foram os maiores representantes do género.

Assim como diversos outros estilos de rock no decorrer da história, o glam também teve uma repercussão sócio-cultural de forte caráter sexual. Entretanto, foi bem diferente daquela proposta pela pélvis de Elvis, da libertação das adolescentes promovida pelos Beatles e Rolling Stones ou mesmo o amor-livre dos hippies. Quando o alienígena Ziggy Stardust chegou ao planeta Terra, instaurou uma era de androginia. Limites de gênero — masculino, feminino — eram humanos demais e ele estava além disso. Com o glam, o rock — que sempre rompeu com tabus e derrubou preconceitos — usou batom, se encheu de purpurina e colocou mais um muro abaixo. O estilo de vida que defendia a liberdade de que cada um pode amar quem quiser agora declarava: posso amar até mesmo alguém do meu próprio sexo. 

Por Rodrigo de Andrade (Garras) - Arménios

Publicado originalmente no caderno Segundo, do jornal O Nacional, na edição de 2 e 3 de Junho de 2012.

Paul McCartney e o seu baixo Hofner Union Jack

Paul McCartney surpreendeu todo o mundo, quando apareceu no palco do "Queen's Diamond Jubilee Concert" usando um Hofner Union Jack durante a execução do tema, Ob-la-di, Ob-la-da.

O Union Jack Höfner, é um produto original da Höfner (Product #514179 from 2008), baseado no Hofner 500/1, que Paul McCartney's começou a usar em1962, mas que foi descontinuado.

Vejam mais fotos desta maravilha  aqui.

Morreu a Rainha da Disco Music, Donna Summer

A cantora Donna Summer morreu na manhã desta quinta-feira, 17 de Maio, após uma batalha contra um câncro. Conhecida como rainha da disco music,  tinha 63 anos e vivia na Flórida . As informações são do site TMZ. 

De acordo com fontes do site, a cantora tentava manter a doença em segredo. No entanto, uma fonte teria dito que há duas semanas ela estava relativamente bem e que tinha planos de terminar o álbum no qual vinha trabalhando.

Donna ganhou cinco vezes o Grammy ao longo da carreira e fez muito sucesso nos anos 70 com hits como Last Dance, Hot Stuff e Bad Girls. Nos anos 80, continuou nas paradas, como músicas como She Works Hard for the Money e This Time I Know It's for Real. 

A cantora e o produtor Giorgio Moroder definiram a dance music nos anos 70 e foram responsáveis pela entrada de artistas como Duran Duran e David Bowie no género. Com quase 40 anos de carreira, vendeu mais de 130 milhões de discos e influenciou artistas como Madonna, Whitney Houston e Janet Jackson. 

Antes da fama, Donna cantou no coral de uma igreja em Dorchester, Massachusetts, onde nasceu. Nos anos 70, começou a carreira como backing vocal do trio Three Dog Night. O seu primeiro álbum solo foi lançado em 1974 e, depois dele, lançou um disco por ano até 1984, incluindo os aclamados Bad Girls, I'm A Rainbow e She Works Hard For Money. 

Ao longo da sua carreira, lançou um total de 17 álbuns de estúdio, sendo o mais recente de 2008, Crayons, que ela promoveu com uma tournê mundial. 

Donna casou-se com o vocalista dos Brooklyn Dreams, Bruce Sudano, nos anos 80 e teve duas filhas, Amanda e Brooklyn. A cantora tinha quatro netos.

Abbey Road, em sentido contrário...

A fotografia dos Beatles a atravessarem a Abbey Road já foi recriada exaustivamente por fãs dos Beatles de todas as maneiras possíveis. 

Agora, uma imagem rara que mostra os Fab Four atravessando a rua no sentido oposto ao exibido na tão famosa capa de disco será leiloada. Espera-se que ela seja arrematada por algo em torno de 9 mil libras.

A foto no disco Abbey Road, de 1969, exibe a banda atravessando da esquerda para a direita. Na imagem que está à venda, John Lennon lidera os outros três músicos da direita para a esquerda . 

Quem está a vender esta "raridade" é um coleccionador particular, e o leilão acontece no próximo dia 22 de Maio.

Há algumas diferenças nas duas fotos que devem fazer os fãs embarcarem num novo "jogo" dos sete erros. 

Paul McCartney, por exemplo, está calçado com umas chinelas de couro, e sem o cigarro, o que destrói de imediato, as presunções assumidas relativamente á sua morte na década de 60 .

A imagem foi captada por Iain Macmillan. 

Sarah Wheeler, da casa de leilões Bloomsbury Auctions, de Londres, conta que Macmillan teve dez minutos para tirar as fotos e fez seis fotos dos Beatles andando para lá e para cá na passadeira de pedestres, enquanto ele fotografava do alto de uma escada tendo um "Bobby" a controlar o trânsito. 

"A foto é considerada um ícone da década de 60. Acredito que a razão para se ter tornado tão popular é a sua simplicidade”, afirma Sarah.

RIP, Donald “Duck” Dunn (May 13, 2012) Booker T. & The MG’s

Morreu aos 70 anos Donald "Duck" Dunn, baixista do grupo Booker T. and the M.G.'s.

Morreu em Tóquio, enquanto dormia, no passado dia 13 de Maio. Dunn, com a sua banda, Booker T and The M.G's, tinham realizado dois shows, no sábado anterior, dia 12. 

O grupo era a banda de apoio da Stax Records, especializada em soul, gospel e blues. As informações são do site do semanário NME.

Nascido em Memphis em 1941, Dunn ganhou o apelido Duck do pai, com quem via os desenhos animados do Pato Donald. 

Começou a carreira de baixista aos 16 anos. Em 1962, juntou-se ao Booker T. and the M.G.'s.  O seu trabalho pode ainda ser ouvido em hits mundiais como, “Respect”, de Otis Redding, e “Born Under A Bad Sign”, de Albert King.

Em diversos momentos da carreira, Dunn fez parcerias com outros grandes nomes da cena musical, Tais como Neil Young, Eric Clapton e Rod Stewart.

Booker T. and the M.G.'s entrou para o Hall da Fama do Rock em 1992 e Dunn foi agraciado com um Grammy especial pelo conjunto da obra em 2007.

Elvis has left the bulding

Pouca gente sabe que foi Al Dvorin, promotor de shows e locutor, o responsável por eternizar uma das frases mais icónicas da cultura pop: “Elvis has left the bulding” (Elvis saiu do prédio). Dvorin usava a frase para avisar os espectadores presentes nos espectáculos de Elvis que este já se tinha ido embora. Portanto, não haveria bis, nem autógrafos para ninguém. Poucos meses antes de se completarem 35 anos da morte de Elvis, é irónico pensar que ele de facto, nunca  “deixou o prédio”.

Elvis nunca realizou uma tournê mundial. Só se apresentou uma vez fora do território norte-americano, em cinco shows, em três cidades do Canadá, em 1957. Nos anos 70, quando voltou aos palcos, choveram propostas para ele cantar fora dos USA. Mas os motivos de Elvis nunca ter aceite actuar fora do seu pais natal, são vários e até hoje envoltos em polémica. Alguns autores afirmam que isso aconteceu pelo fato de o Coronel Tom Parker, empresário do cantor, ser um imigrante ilegal que não queria correr o risco de se meter em problemas com a imigração dos Estados Unidos. Outros factores eram mais mundanos. Elvis, uma criatura do hábito, supostamente não se interessava em fazer viagens longas. 

Em 1973, para saciar a sede dos fãs mundiais, Elvis foi o astro do milionário show Aloha from Havaii, transmitido directamente das Ilhas do Pacífico via satélite para boa parte do planeta e assistido por quase um bilião de pessoas. Até a sua morte, em 16 de Agosto de 1977, Elvis só actuou em Las Vegas e em outras partes dos Estados Unidos, mas os fãs do resto do mundo tinham de se contentar com os vídeos e os discos.

Em 16 de Agosto de 1997, no Coliseu do Centro-Sul, em Memphis (Tennessee), exactamente 20 anos após a sua morte, Elvis retornava aos palcos. 

Bem, se obviamente ele não estava lá em carne e osso, pelo menos a sua voz e imagens, sim.  

Elvis – The Concert (mais tarde renomeado Elvis Presley in Concert) usava tecnologia de ponta para trazer o Rei do Rock de volta. Ecrans gigantescos de altíssima definição mostravam imagens de Elvis, basicamente retiradas dos filmes Comeback Special (1968), Elvis É Assim (1970), Elvis Triunfal (1972) e Aloha from Havaii. Os produtores utilizaram os "play backs" de áudio original e isolaram a voz de Elvis. 

No palco, para fazer o acompanhamento, estava presente a maioria dos músicos e vocalistas que acompanharam Elvis nas suas tournês nos anos 70. A TCB Band, como era chamado esse grupo de músicos e vocalistas que cercavam o Rei, foi reunida após 20 anos para trazer de volta a magia e emoção da música do Rei. De então para cá, os ecrans tornaram-se parte integrante de qualquer megaconcerto de rock e de música popular e, assim que a imagem gigantesca de Elvis se materializava no palco, a ilusão tornava-se realidade.

Elvis Presley in Concert seguiu com muito sucesso pelos Estados Unidos e também por outros países. O show realizado no Pyramid Coliseum, em Memphis, em 2002, foi gravado e  transformou-se no DVD Elvis Lives. 

Nesse ano, o projecto foi reactivado e passou por vários locais da Europa, como França, Suíça, Alemanha e Inglaterra. Em Outubro, deste ano, os brasileiros vão ter a possibilidade de assistir a Elvis Presley in Concert. O espectáculo será apresentado em Brasília, em São Paulo, e no Rio de Janeiro.

Fonte: RS-BR. Paulo Cavalcanti

A obra de Paul McCartney, ao longo dos ultimos 40 anos.

A carreira pós-Beatles de Paul McCartney já persiste há quarenta anos. Vamos imaginar que os Beatles nunca tivessem existido e que a trajectória de Paul se tenha iniciado com o seu primeiro álbum solo. 

Será que Paul McCartney seria hoje ovacionado como um dos maiores músicos que o rock já produziu? Será que a grandiosidade de sua obra não torna o termo “ex-Beatle” pequeno, mesmo tratando-se dos Beatles, a melhor banda de todos os tempos? 

Vamos ao exercício imaginativo: Paul McCartney, um desconhecido músico inglês, lança em 1970 o seu primeiro álbum, o qual gravou sozinho, sem o auxílio de banda, técnicos ou engenheiros, todos os instrumentos. Paul compôs todas as canções e tocou violão, guitarra, contrabaixo, piano, bateria, percussão, órgãos Hammond e Moog, maracas, bongôs, xilofone e mellotron. Entre as canções, figuram obras-primas como Maybe I’m Amazed e Teddy Boy, essa última recusada pela sua antiga banda, que estamos agora a imaginar que nunca tenha existido. O álbum recebeu o singelo título McCartney .

No ano seguinte, Paul lança o excelente Ram, desta vez com uma banda de acompanhamento. Em 1972, com a entrada do ex-guitarrista dos Moody Blues, Denny Laine, Paul cria a banda Wings, grava rapidamente o álbum Wild Life, e pela primeira vez vaia para a "estrada" para uma maratona de espectáculos.

O ano de 1973 consolida os Wings como uma das maiores bandas do mundo. Num curto espaço de tempo, o grupo lança os álbuns Red Rose Speedway e Band on the Run , um dos melhores discos de toda a trajectória de Paul McCartney; além do single de grande sucesso Live and Let Die, incluído na banda sonora de um filme do espião 007, James Bond.

Mesmo com mudanças na formação, os Wings seguiram lançando grandes discos como Venus and Mars (1975); Wings at the Speed of Sound (1976); Wings Over America (triplo ao vivo, 1976) e London Town (1978).

O canto do cisne dos Wings acontece em 1979 com o álbum Back to the Egg , que traz canções marcantes como Getting Closer e duas músicas interpretadas por uma rockestra formada por membros das maiores bandas do mundo na época. No final daquele fatídico ano, quando os Wings chegavam ao Japão para uma série de dez shows, Paul McCartney foi preso no aeroporto portando 219 gramas de maconha e haxixe na sua bagagem. Os shows foram cancelados e a banda dissolveu-se após o episódio.

Os anos oitenta iniciaram-se com Paul McCartney retornando a carreira solo. Exactamente uma década após o lançamento do álbum McCartney, Paul volta a gravar um disco sozinho, em que toca todos os instrumentos. 

O álbum McCartney II não agrada tanto quanto o de dez anos atrás, devido ao excesso de experimentalismo. Tem de se levar em conta que o disco em princípio nem tinha a pretensão de ser lançado. Mesmo assim, a faixa Coming Up tornou-se um de seus maiores sucessos até hoje.

Nos anos seguintes, Paul McCartney lançou álbuns íntegros, mas não tão inspirados. Em Tug of War (1982) fez duetos com Carl Perkins e Stevie Wonder. Pipes of Piece (1983) marca as parcerias de Paul com o rei do pop Michael Jackson. Give My Regards to Broad Street (1984) é a banda sonora do seu filme homônimo, onde Paul apresenta novas músicas e revisita clássicos da sua carreira. 

O pop experimental de Press to Play (1986) também não foi bem digerido pelo público, e Paul somente reencontraria os louros de outrora três anos depois, com o óptimo Flowers in the Dirt. O sucesso das músicas This One, My Brave Face e Figure Of Eight impulsionou a turnê mundial Get Back World Tour, a primeira de Paul desde a separação dos Wings.

Em 1993 lança Off the Ground. 
O grande sucesso do disco é a faixa Hope of Deliverance,  curiosamente uma canção que foge aos padrões “McCartianos”, onde ritmos latinos e violões flamenco se unem a uma letra inspirada em Bob Marley. A turnê New World Tour esgotou estádios pelo mundo todo e foi registada no álbum duplo Paul is Live (1994).

Paul McCartney surpreende o mundo em 1997 com o lançamento de Flaming Pie um dos discos mais geniais e inspirados de toda a sua carreira. Dois anos depois, Paul dá uma guinada e volta às raízes. Monta uma banda com David Gilmour (Pink Floyd), Mick Green (Johnny Kidd & The Pirates) e Ian Paice (Deep Purple) e grava Run Devil Run, um álbum composto por clássicos do rock’n’roll e quatro composições inéditas.

Com essa formação, Paul toca no lendário Cavern Club em Liverpool, a sua terra natal.

Na última década Paul McCartney seguiu lançando grandes álbuns como Driving Rain (2001), Chaos and Creation in the Backyard (2005) e Memory Almost Full (2007); formou um duo eletrônico chamado The Fireman e lançou vários DVDs registrando as suas bem sucedidas tournês mundiais e shows específicos, como na Praça Vermelha na Rússia ou em New York City.

O ultimo álbum de Paul McCartney, "Kisses on the Bottom", leva o ex-beatle à era de ouro de Hollywood, evocada em canções clássicas e em faixas inéditas. Paul faz uma "viagem profundamente pessoal" pelo cancioneiro norte-americano clássico que inspirou McCartney e o parceiro John Lennon nas composições dos Beatles. 

"Quando crescemos, tínhamos a era do meu pai ou, no caso de John, da mãe dele, que escutávamos, e aí quando fomos escrever canções de rock isso influenciou o rock", declarou McCartney, que acrescentou:

"Honey Pie", do White Albun dos Beatles, é uma dessas faixas que " que evocam Hollywood".

Sir Paul, acrescentou ainda que teve como inspiradores alguns dos mais famosos actores e cantores do cinema norte-americano, como Frank Sinatra, Dean Martin e especialmente Fred Astaire, cujo estilo e voz foram uma referência para McCartney ao longo da carreira.

"Há muito tempo que desejava gravar este álbum, primeiro com os Beatles, depois individualmente, mas vi-me obrigado a adiar o projeto depois de, Robbie Williams e Rod Stewart lançarem trabalhos com clássicos das big bands. Não quis passar a ideia de que estava  a aproveitar a onda."

McCartney contou com a colaboração do produtor Tommy LiPuma e da premiada cantora de jazz Diana Krall para gravar "Kisses on the Bottom" em Londres, em Nova York e no famoso estúdio da Capitol Records, em Los Angeles. Escolheu clássicos como "More I Cannot Wish You", do musical "Guys and Dolls", e uma lenta versão de "Bye Bye Blackbird". 

Outras colaborações no álbum são do lendário Stevie Wonder, em "Only Our Hearts", tributo à música das décadas de 1930 e 40; e de Eric Clapton, em "My Valentine", uma das músicas favoritas de McCartney no álbum, na verdade é uma carta de amor à sua nova esposa, Nancy Shevell.

O lançamento de Kisses on the Bottom  foi a 7 de Fevereiro passado.

 

Portanto, concluo que Paul McCartney é hoje o maior músico criador de harmonias e melodias que o rock já produziu, independente de ter sido integrante nos anos sessenta da maior banda da história, mesmo que esse período tenha sido o mais importante e criativo de sua extensa carreira.

O Rei fez 71 Anos..."Long Live The King!"

Não é qualquer um que recebe como presente de aniversário, em coro de 8,5 mil pessoas, numa declaração de amor em forma de música seguida de um "Parabéns para você". É o Rei. Num show de cartas marcadas, mas com a emoção e relação intensa com os fãs de sempre, Roberto Carlos festejou os seus 71 anos no Maracanãzinho esgotado na noite desta quinta-feira, 19 de Abril, no Rio de Janeiro.

Às 22h05, com 35 minutos de atraso, a banda regida por Eduardo Lagesiniciou o espectáculo, com o coro cantando "Como é grande o meu amor você", que uma hora mais tarde seria entoada por todos os presentes, à capela e no escuro, em homenagem supresa encomendada pelo mesmo maestro antes de Roberto entrar no palco. Às 22h10, o Rei aparece, de calça, camisa e casaco brancos e, após reverencias silenciosas e um suspiro, abre o show com "Emoções", como de hábito.

"Que prazer rever vocês aqui no Rio de Janeiro, aqui no Maracanãzinho. Obrigado por esse carinho, por essas coisas maravilhosas que eu tenho recebido desde que nasci. Não precisa dizer que faz muito tempo porque hoje, principalmente, eu sei. Bota tempo nisso, bicho. Obrigado", disse, após a abertura. "Gostaria de dizer muitas outras coisas, mas, sei lá, meu negócio é cantar", continuou, antes de emendar "Eu te amo, eu te amo, eu te amo".

As lágrimas, já comuns entre os fãs, em sua grande maioria mulheres, escorreram com mais força quando, ao término da quinta música, "Cama e mesa", Roberto assumiu o violão e cantou "Detalhes", tendo ao fundo um cenário que simulava o céu estrelado.

Para quebrar o clima meloso e introduzir "O portão", o Rei capricha ao contar a história do cachorro Axaxa, que também não é novidade, mas mesmo assim faz rir o público, entre desconhecidos e famosos como os actores Selton Mello, Alexandre Nero, Marcius Melhem e Eri Johnson, os empresários Ricardo Amaral e Luiza Brunet e a ex-parceira de jovem guarda Rosemary.

"Essa música eu sempre cantava com muita alegria. Alegria que não posso dizer sinceramente que sinto hoje, mas sinto um amor cada vez maior", disse o Rei, antes de "Lady Laura", música dedicada à mãe, que faleceu em 2010.

 Entre as poucas que o público não cantou em coro, "Jerusalém de ouro" trouxe um raro momento de contemplação. Luzes douradas no palco, imagens da Terra Santa no telão e um belo solo de violino deixaram a plateia admirada e quieta. Como no espectáculo que realizou em Setembro do ano passado, em Israel, já á venda em DVD, Roberto ainda cantou parte da letra em hebraico.

No fim da música, o Rei generoso apresentou calmamente toda a banda, com elogios e pequenas histórias de cada um, como o de Dedé (Anderson Marquez), que era secretário de Roberto no início de carreira, e um dia se cansou do cargo decidindo ser baterista. "Perguntei: 'Você sabe tocar?'. Ele disse: 'Não. Mas me dá um mês'", contou.

Quando acabou as apresentações, o cantor recebeu o seu presente-surpresa. As luzes se apagaram e milhares no ginásio todos levantaram os telemóveis acesos e cantaram "Como é grande o meu amor por você" e "Parabéns para você". Roberto Carlos cortou o bolo, deu o primeiro pedaço para o filho Dudu Braga, o segundo para a secretária Carminha e o terceiro para o público, que não fez cerimônia: "Ahá, uhú, o Roberto eu vou comer seu bolo", brincaram os presentes.

Para agradecer, o Rei emendou uma sequência de hits que começou com "É proibido fumar" e terminou, à meia noite, com "Jesus Cristo", seguido da tradicional distribuição de flores. Um roteiro que quase não é alterado, mas que parece nunca sair de moda. E terá bis: esta sexta, 20 de Abril, no mesmo horário e local, Roberto faz um show extra para quem não conseguiubilhetes  para o primeiro.

Repertório, dos temas cantados pelo Rei:

1. "Emoções"
2. "Eu te amo, te amo, te amo"
3. "Além do horizonte"
4. "Amor perfeito"
5. "Cama e mesa"
6. "Detalhes"
7. "Desabafo"
8. "O portão"
9. "Lady Laura"
10. "Nossa Senhora"
11. "Pensamento"
12."Mulher pequena"
13. "Proposta"
14. "Côncavo e convexo"
15. "Jerusalém de Ouro"
16. "É proibido fumar" / "Namoradinha de um amigo meu" /  "Quando" / "E por isso estou aqui"
17. "Como é grande o meu amor por você"
18. "Jesus Cristo"

The Small Faces

Para muitos críticos e uma parte significativa da mídia especializada, Small Faces é a melhor banda inglesa que não fez sucesso fora da Inglaterra. Talvez tenha chegado o momento do mundo reconhecer o talento e o legado desse grupo sensacional.

A Universal programou para o dia 7 de Maio o relançando de todo o catálogo clássico dos Small Faces em versões expandidas. Os títulos sairão em caixas especiais, forradas de faixas bônus que incluem músicas lançadas apenas em compactos, outtakes, versões alternativas e inúmeras mixagens diferentes. Os álbuns também estarão disponíveis para download pago.

Aproveitando o resgate do grupo, foi colocado na rede um site oficial dos Small Faces,  no seguinte endereço: http://www.thesmallfaces.co.uk/.

São quatro os discos que ganham nova versão.

• Small Faces

A convulsiva estreia ao estilo mod e rhythm & blues inglês, lançada originalmente em 1966. Este trabalho conta com uma série de compactos da fase inicial da banda. Vale lembrar que, nessa época, os Small Faces eram a segunda maior banda mod do mundo, ficando atrás apenas dos Who. Recomendado para fãs das fases iniciais de bandas como Rolling Stones, Yardbirds, Animals e Them.

• From The Beginning

Quando a banda assinou com o selo Immediate de Andrew Loog Oldham, a Decca (detentora do catálogo inicial do grupo) prensou essa coletânea na metade de 1967, numa tentativa óbvia de concorrer com os novos lançamentos. Mais do que uma mera retrospectiva, o título traz uma série de faixas que foram lançadas apenas como lados B de compactos. Isso fez com que esse disco, que inicialmente não era reconhecido pela banda, passasse a integrar o catálogo como álbum oficial.

• Small Faces

Esse disco foi lançado nos EUA com outra capa e 5 faixas diferentes, com o título de There Are but Four Small Faces. Provavelmente a versão americana talvez seja o melhor trabalho da banda. Um típico álbum de 1967, com forte influência do psicodelismo que se firmou como estilo de época. Com uma musicalidade muito mais elaborada e madura, ainda conseguiu manter toda a identidade sonora da banda. Recomendado!

• Ogdens’ Nut Gone Flake

Reconhecido como o ápice criativo do grupo, esse disco conceitual de 1968 é apontado como um dos melhores álbuns de toda a história do rock. O álbum original vinha em uma capa redonda. Com certeza, não repercutiu como deveria pois era psicodélico demais para os padrões da época. Se tivesse sido lançado um ano antes, teria sido o trabalho mais próximo do Sgt. Pepper’s, os Beatles (ainda que guardando uma considerável distância). Sensacional!

Vale lembrar que o primeiro Small Faces (1966) e a coletânea From The Beginning (1967) foram relançadas no ano passado em vinil de 180 gramas pelo selo 4 Men With Beards e ainda se encontram em catálogo.

(Lester Benga)

Keith Moon convidado para a cerimónia de encerramento ?!

A organização dos Jogos Olímpicos de Londres-2012 enviou um convite formal aos empresários dos ‘The Who’ a solicitar a participação de Keith Moon na cerimónia de encerramento. O problema é que o baterista, que pertenceu à formação original da banda de rock britânica, morreu há 34 anos na sequência de uma overdose de comprimidos.

A revelação foi feita pela empresário Bill Curbishley em entrevista ao jornal The Times: «Enviei um e-mail a informar que o Keith agora reside no crematório de Golders Green [Londres] e acrescentei uma frase simbólica dos ‘The Who – “Espero morrer antes de envelhecer”. Se tiverem uma mesa redonda, uns copos e velas, podem contactá-lo.»

A organização dos JO, que recentemente viu os ‘Sex Pistols’ recusarem o convite para atuarem na festa de encerramento, esperava contar com o controverso baterista num espetáculo chamado “Symphony of Rock”.

8 de Abril...17 anos sem Kurt Cobain

No dia 8 de Abril de 1994, Kurt Cobain foi encontrado morto na estufa de sua casa, em Seattle, Estados Unidos. O líder do Nirvana cometeu suicídio (Kurt disparou um tiro na cabeça) aos 27 anos de idade; segundo os  laudos divulgados à época, a data oficial da morte foi 5 de Abril.

Kurt Donald Cobain nasceu no dia 20 de fevereiro de 1967, na cidade de Aberdeen, próxima a Seattle, berço do grunge. Pouco mais de 20 anos depois, Kurt, Krist Novoselic e Dave Grohl se tornariam o epicentro de uma cena que mudou os rumos do rock. Tendo encontrado um mercado carente de ídolos do género, o trio invadiu as rádios com as faixas do disco Nevermind, segundo da carreira, em 1991 (o hino "Smells Like Teen Spirit" foi lançado na compilação). Em janeiro de 1992, o disco desalujou Michael Jackson no topo da Billboard, vendendo três milhões de cópias em seis meses.

O sucesso estrondoso de Nevermind alçou Kurt ao posto de "mártir" de uma geração. A rotina de rockstar, no entanto, não parecia se encaixar na vida do ídolo, Cobain passou a sofrer com a exposição crescente. Além de lidar com fortes dores de estômago, passou a freqüentar clínicas de reabilitação e a enfrentar overdoses supostamente acidentais (o caso mais conhecido aconteceu em Roma, quando o cantor foi ressuscitado pela esposa Courtney Love após ingerir uma grande quantidade de álcool e barbiturícos).

Sete mil pessoas participaram de uma vigília no em Seattle, três dias depois de o corpo do cantor ter sido encontrado. A massa de jovens desolados com a perda de Cobain foi embalada por uma mensagem gravada de Courtney, que leu trechos da carta de despedida encontrada ao lado do músico.

Kurt viveu uma vida marcada pela depressão, desgastes emocionais e vícios em drogas. Os últimos anos de sua vida foram castigados pela dependência exagerada de heroína, pela forte pressão exercida pela mídia e por sua conturbada relação com a esposa Courtney Love.

Talvez um dos maiores mistérios da música mundial, o suicídio de Kurt ainda não é aceite por boa parte das pessoas. Há alguns indícios de que ele tenha sido assassinado:

-A suposta carta de suicídio de Kurt, não é uma carta de suicídio. É uma carta que explica a sua decisão de abandonar a música, e sobretudo, as tournés. Segundo os maiores especialistas em caligrafia nos EUA, as frases finais da carta de despedida foram escritas por outra pessoa e teve frases incluídas.

- Quando a polícia chegou ao local da morte de Kurt, estava com a arma encostada ao peito, mais, por supostamente ter atirado na cabeça, a arma deveria ter saltado para longe do corpo.

- O músico Eldon Hoke, mais conhecido como “El Dulce” afirma ter recebido uma proposta de Courtney para matar Kurt: "Ela me ofereceu 50 mil dólares para matar o marido, eu devia ter aceite".  El Duce,chegou a fazer o conhecido teste do  poligrafo e, segundo o Dr. Edward Gelb, um perito no assunto, ele não mentiu Disse ainda que sabia quem tinha aceite a proposta de Courtney, mas que não diria o nome do assassino, por ter medo de ser ele a próxima vitima. Curiosamente, foi encontrado morto uma semana depois, atropelado por um combóio.

- Na arma, na caneta usada para escrever a carta, nos cartuchos de bala da arma e nas seringas de heroína que Kurt teria usado para se injectar, não foram encontradas impressões digitais de Kurt. Na verdade não foi encontrado nenhuma impressão digital, o que nos remete à hipótese de assassinato, já que a pessoa pretendia não deixar sinais do crime.

- Três dias antes de morrer, Kurt declarou a um amigo que “temia por sua vida”.

Tenho para vender.

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Carlos Santana, a lenda.

Carlos Santana, nasceu num vilarejo mexicano, Autlan de Navarro na costa Sul do estado de Jalisco no Mexico. Seu pai José Santana, violinista e membro integrante de uma banda de Mariachi,desde cêdo o motivou, ensinando-lhe a teoria da musica tradicional mexicana, num velho violão que havia lá por casa. Carlos desde logo percebeu que o seu sonho, era libertar-se dos boleros, da musica rancheira e da musica mariachi, e tocar o Rock'n Roll, a nova onda musical do inicio dos anos 50. 

Formou logo uma banda, os TJ's, e começou a ganhar a vida nos bares da "Tijuana Strip," na cidade de Tijuana, para onde se mudara em 1955. Em 1961, mudou-se para San Francisco, juntando-se á sua família, que para ai tinha ido viver no ano anterior. O destino colocara  Carlos Santana, no sitio certo e no momento certo, exactamente no olho do vulcão efervescente da cena musical, do inicio dos anos 60. A Bay Area em São Francisco, era na época, o caldeirão aonde se cozinhava a mudança artística, musical cultural e politica da juventude americana. 

Neste clima, Carlos continuou a evoluir e aperfeiçoara o seu estilo unico de tocar guitarra, e em 1966, faz a estreia da sua "Santana Blues Band". Durante os dois anos, seguintes, o grupo foi crescendo no meio de um turbilhão de aplausos, e popularidade que os catapultou do histórico Bill Graham Fillmore West para o palco principal do Woodstock, aonde em 16 de Agosto de 1969, a banda de Carlos Santana, tocando um Rock cheio de latinidade foi apresentado ás massas.

Em 1969, a banda lançou o seu primeiro álbum, intitulado simplesmente "Santana". O single "Evil Ways" ajudou o disco a atingir o estatuto de platina duplo e foi seguido em 1970, por "Abraxas", que incluiu "Black Magic Woman" e "Oye Como Va.  Seguiram-se mais dois álbuns de sucesso em 1971 " Santana III ", com ‘Everything’s Coming Our Way’ e em 1974 a Columbia lança um Greatest Hits.

Como "hit maker" estabelecido, Carlos Santana, foi escolhido para produzir a banda sonora do filme "La Bamba", e participou no "Rock ‘n Roll Summit" em 1987, o primeiro concerto de rock realizado conjuntamente pelos EUA, e pela URSS, e fez ainda uma turnê em 1988 com o saxofonista de jazz Wayne Shorter.

Santana foi a primeira banda a ganhar o "Globo de Cristal" da CBS Record, pelas vendas de mais de cinco milhões de álbuns, foi eleito o "Best Pop-Rock Guitarist " por diversas vezes numa votação anual da Playboy Magazine. Recebeu em 1988 o Grammy para o "Best Rock Instrumental Performance" e foi objecto de um concerto tributo especial levado a cabo pela Recording Academy, durante o Grammy Awards 1996, em conjunto com a sua indução no Rock Walk de Hollywood. 

Recebeu dez prêmios da "Bay Area Music", incluindo seis "Best Guitarist" e três "Musician Of The Year". Nesse mesmo ano, foi nomeado Lenda da Música Latina do Ano, pela Chicano Music Awards. Também em 1996, a revista Billboard agraciou Carlos Santana com o "Century Award", a sua mais alta distinção pelo conjunto da obra criativa, e em 1998, foi imortalizado no mundo do entretenimento com uma estrela no "Hollywood Walk of Fame".

Carlos Santana também contribuiu com os seus talentos em benefício de numerosas causas de caridade, entre eles a Blues For Salvador, San Francisco Earthquake Relief,  Tijuana Orphans, Rights Of Indigenous Peoples, e contribuiu ainda com diversas acções para a educação da juventude latina em associação com a Hispanic Media & Education Group. Recebeu inúmeros elogios pela sua constante intervenção cívica e humanitária ao longo dos anos.

Em 1999, Santana assinou com a Arista Records, aonde Carlos se reuniu com o seu mentor Clive Davis, 30 anos após a assinatura do seu primeiro contrato com o executivo da Columbia em 1969. O seu primeiro trabalho conjunto foi "Supernatural", o álbum que comemorou a carreira de 36 anos da Santana Blues Band.

 

"Supernatural" já vendeu mais de dez milhões de cópias, e foi oficialmente certificado com "Dectillion Platinum’ - Diamond Status, da R.I.A.A." Ganhou nove Grammys no 42º Annual Grammy Awards em February de 2000, incluindo Album Of the Year, Best Rock Album, Record Of The Year, Song Of The Year com a faixa ‘Smooth’,colaboração inesquecível de Santana com a estrela do rock alternativo, Matchbox Twenty e Rob Thomas. 

Em 1999, ninguém no planeta que tivesse um rádio podia deixar de sentir o ritmo sensual desta obra-prima do rock latino. Carlos Santana explica que "Algumas canções são como tatuagens para o nosso cérebro. Ouvimo-las e elas ficam logo tatuadas na nossa vida para sempre". 'Smooth' provou o seu poder de permanência com um recorde de 12 semanas consecutivas no primeiro lugar da Billboard Hot 100, tornando-se no numero um de 1999, que se manteve por mais tempo nessa posição.

O segundo single de Supernatural, "Maria, Maria", é um quadro pintado com influências espanholas, fundindo a musica Latina, com os sons Africanos e pan-Caribe. Com o seu apelo multi- racial, ficou 10 semanas no topo da lista de vendas Hot 100, tendo ainda alcançado um Grammy na categoria "Best Performance By A Duo or Group With Vocals". O álbum que contou também com convidados de peso, estrelas de primeira grandeza como,Lauryn Hill, o lendário Eric Clapton, Dave Matthews, Everlast, Eagle Eye Cherry, e Maná, entre outros. "Supernatural" estabeleceu pontes culturais, geracionais e musicais, forjando parcerias criativas, multi-dimensionais, e multi-culturais .

Carlos Santana, afirmou que "Todos os musicos participaram no mesmo comprimento de onda e energia artística comigo. Supernatual é um belo exemplo de sincronia, tornando-se uma experiência verdadeiramente gloriosa."

No início do novo milénio, Carlos Santana estava no auge de uma carreira notável tendo atravessado cinco décadas, sobrevivendo a inúmeras tendências musicais, vendeu mais de 50 milhões de álbuns, tocou ao vivo para mais de trinta milhões de fãs, tendo recebido inúmeros prémios e honrarias.

James McCartney, vai actuar na Cavern Club

James McCartney, filho de Paul McCartney, apresentarse-á em Abril na mítica Cavern Club de Liverpool, o mesmo local aonde os Beatles iniciaram a sua consagrada fantástica carreira.

James McCartney, que participou em alguns dos trabalhos do seu pai, iniciou a sua carreira a solo em 2009 e, desde então, já lançou três álbuns de música pop. Apesar de não repetir o mesmo êxito dos lançamentos do pai, os discos de James receberam elogios de grande parte da critica especializada.

Pela primeira vez em tourné, que também passará por Londres e Dublin, o filho de Paul e da já falecida Linda McCartney subirá ao palco para se apresentar onde os Beatles actuaram mais de 300 vezes durante os anos 60.

O pub subterrâneo, é mundialmente famoso por ter sido o palco de uma das primeiras apresentações dos Fab Four de Liverpool em 1961. Anteriormente, e ainda sob o nome de The Quarrymen, o quarteto apresentara-se no Casbah Coffee Club, local que foi declarado património histórico pelas autoridades britânicas em 2006.

A Cavern, foi fechada no ano de 1973, mas acabou por ser recriada a poucos metros do seu primeiro endereço. Para não perder as suas características, o pub foi reconstruído usando os mesmos tijolos do local original. Em 1999, Paul McCartney chegou a voltar ao palco onde começou a sua carreira para promover seu álbum solo "Run Devil Run".

"Claro que tenho vontade de tocar na lendária Cavern Club de Liverpool. É o local aonde muitas carreiras começaram e aonde o grupo do meu pai costumava tocar. Será um momento especial", reconheceu James ao anunciar os detalhes de sua tourné.

Morreu Lúcio Dalla, um dos mais importantes cantores/compositores italianos

Lúcio Dalla, um dos mais importantes cantor, autor italiano, criador de sucessos internacionais como "Caruso", morreu ontem quinta-feira em Montreux (na Suíça) com um enfarto aos 68 anos, informou a imprensa italiana.

A última aparição em Itália de Dalla, que em 4 de marco iria completar 69 anos, foi na semana passada no Festival da Canção de San Remo num dueto com o jovem Pierdavide Carone, para quem havia composto a canção "Nani".

O fotógrafo e amigo Roberto Serra contou que ontem falou com Dalla, e ele e estava "bem, feliz e tranquilo" com a turnê europeia iniciada em Lucerna, que deveria passar por Zurique e Montreux. A tourné estava prevista para encerrar em 30 de Março em Berlim.

Em 40 anos de carreira, emocionou com canções como "Gesù Bambino", com a qual participou de 1971 no Festival da Canção de Sanremo e foi o seu primeiro grande sucesso, embora a censura o tenha obrigado a mudar o título. Optou por mudar o nome da canção para "4/3/1943" (data de seu nascimento). A música que contava a história de uma mãe solteira, foi adaptada por Chico Buarque, que na sua versão chamou de "Minha História".

Internacionalmente, seu grande êxito chegou nos anos 80 com a composição "Caruso", considerada uma das obras-primas da música italiana pela crítica.

Ultimamente, Dalla realizava com o seu amigo e cantor Francesco de Gregori uma tourné italiana de enorme sucesso. 

Morreu Davy Jones, membro dos Monkees (1945-2012)

Davy Jones, actor e vocalista dos Monkees, morreu aos 66 anos, na manhã desta quarta-feira, 29 de Fevereiro, após sofrer um ataque cardíaco , na Flórida (EUA). A morte foi confirmada pelo IML de Fort Pierce,  Indiantown.

Davy Jones fez parte dos Monkees, banda criada em 1965 pela rede de televisão norte-americana NBC com intenção de rivalizar com os Beatles.

 Entre 1966 e 1968, ele e os outros integrantes Micky Dolenz, Michael Nesmith e Peter Tork actuaram na série que tinha o nome da banda e gravaram o filme "Os Monkees Estão Soltos".

O grupo lançou hits como "Daydream Believer", "Last Train to Clarksville" e "I'm a Believer", esta última escrita por Neil Diamond.

Mesmo depois de o programa ter sido cancelado, após 58 episódios, os Monkees,continuaram a lançar álbuns e a fazer tournês até 1971. Venderam 50 milhões de discos em todo o mundo e foi considerado por John Lennon como "os irmãos Marx do rock", uma referência aos comediantes norte-americanos.

Em Maio do ano passado, Jones, Dolenz e Tork reuniram-se para uma tournê de aniversário, dos 45 anos da banda. A última apresentação ao vivo de Jones foi no dia 19 de Fevereiro deste ano em Oklahoma, nos Estados Unidos.

Segundo o site TMZ, na noite anterior, Davy Jones, tinha se apresentado com B.B. King em Nova York, e estava aparentemente bem.

Durante a noite desta quarta-feira, 29 de Fevereiro, as autoridades divulgaram o áudio da chamada de emergência, em que se pode ouvir uma mulher --provavelmente uma funcionária do rancho no qual Jones teve seu ataque cardíaco-- dizendo que estãvam a  colocar Jones numa viatura, para o levar ao hospital, tendo o cantor chegado ao hospital, já sem vida.